La partecipazione ai concerti del Centro dell'Arte, la relazione tra i musicisti ed il pubblico, è improntata alla vicinanza, alla familiarità, piuttosto che alla di­stanza, al distacco; i concerti mattutini si svolgono con tanta luce naturale, senza la separazione della sala buia, in cui il pubblico scompare per lasciare solo il giusto spazio all'esecutore.

Il concerto diventa allora un modo di stare insieme, in cui ciascuno porta qualcosa, in segno di gentilezza verso gli altri. I musicisti portano la loro musica, il pubblico il calore dell'applauso per l'esecuzione ap­pena ascoltata.

Per dare un segno tangibile del ringraziamento per il piacere che ci hanno regalato, dopo le "medaglie" che venivano consegnate i primi anni, a partire dal 2001, abbiamo scelto una strada che sottolinea il dialogo tra linguaggi artistici diversi quali la musica e le arti figurative.

Ed è grazie all'impegno del prof. Vincenzo Zappia che ogni anno un artista ci offre una acquaforte appositamente preparata che, riprodotta in tiratura limitata, viene offerta quale tangibile segno di ricordo a nome del Centro e del pubblico, a tutti gli esecutori.

Un grazie di cuore agli artisti che ci hanno dato gratuitamente la loro arte ma anche a chi la donerà in futuro.

Il Consiglio Direttivo

Dolce Verità

Incontro la musica e me ne innamoro

Vestita di stracci e felicità,

vago nell’entusiasmo

e nella disperazione,

ebbra del nulla

nel solitario ascolto

di mille sensuali canzoni.

Pur non trovandoti

mi innamoro di te,

dolce Verità.

Dolcemente

La musica guarisce la mia tristezza

Penso di non scrivere, ma poi


ricordo di non essere io, ma noi.


Che folle l’umana folla appartiene


e non c’è abisso


da cui non riemergiamo insieme.

Penso di non scrivere, ma poi


tu mi dai di gomito e


impugnare una penna,


liberare un sorriso,


decidere di arrendere


a questa malinconia le orecchie

è veramente un attimo.

È quell’attimo di silenzio


in cui la morte arresta il canto.

O forse sono solo io


che più non ascolto


la sua falsa musica.

Ora ardo di un canto diverso


e il tuo mi giunge finalmente.

E il tuo canto,


così diverso,


così uguale al mio,

mi conquista dolcemente.

Contatto

Trasmetto agli altri il mio amore per la musica

Tra vie poco battute ti guido

nella mia narrazione

in crescendo,

ma tu non sai quanto la

musica mi stordisce

né quanto

io goda

nel mancare il punto.

Solo ti lasci trasportare,

solo ti lasci annientare,

mentre io tocco la tua anima

perché ho perso la mia.

In un documento steso a Pisa il 31 maggio 978 d.C., la contessa Willa di Tuscia, madre di Ugo il “gran barone” di dantesca memoria (+ 1001), assegnava alla Badia Fiorentina, da lei stessa fondata, la Corte e il Castello di Scandicci e alcune chiese, tra le quali figurava Santa Maria a Greve (Repetti, 1833); dal 1937 il nome ufficiale della chiesa è Santa Maria a Scandicci ( Sancta Maria de Scandiccio- Note sulla storia della chiesa, 2016).

La chiesa rimase affiliata alla Badia Fiorentina per più di due secoli. Nel 1246 (Carocci), secondo altri storici invece nel 1350 (Moreni), il diritto di patronato della chiesa scandiccese passò a quella di San Romolo in Piazza della Signoria, anche se il rettore di Santa Maria veniva ancora nominato dall’abate della Badia Fiorentina, come riportato dai documenti relativi alle viste pastorali dell’arcivescovo Altoviti e di Monsignor Ceccarelli, vicario di Leone XI ( Alessandro di Ottaviano de’ Medici, n. 1535, m. 1605, p. dal 1605).

Nel Trecento fu istituita una Compagnia dell’Annunziata che andò a sostituire una precedente Opera, la quale forniva alla chiesa arredi e lumi in occasione di solenni festività. La Compagnia svolgeva opere caritatevoli, come l’assistenza agli infermi e il seppellimento dei defunti, e vantava il patrocinio dei Viti - antica famiglia proveniente dalla Lombardia proprietaria anche di una villa scandiccese (Il Melarancio a Scandicci Alto), che istituì nel Settecento un fondo che offriva due doti l’anno alle fanciulle in procinto di sposarsi. Tale compagnia poi fondò un oratorio.

Censuaria della mensa arcivescovile, nel 1187 la chiesa di Santa Maria a Greve era compresa nel piviere di Giogoli (di cui farà formalmente parte fino alla seconda metà del Novecento) fra le “cappelle” che papa Gregorio VIII (Alberto da Morra, n. 1100, m . 1187, p. dal 1187) confermava sotto la protezione apostolica. Non mancarono delle tensioni tra la Pieve di Giogoli e Santa Maria, soprattutto quando quest’ultima divenne, a partire dal Cinquecento e poi nel 1688 , quando fu nominata prioria, il punto di riferimento di diverse parrocchie limitrofe ( Lamberini, 1990).

Nell’archivio parrocchiale è custodito un pannello ligneo contenente l’elenco dei parroci, nominati a partire dalla seconda metà del XIII secolo. Leggendo questo elenco si viene a sapere che, all’anno 1461, rettore di questa chiesa era l’umanista Leonardo Dati (1408- 1472). Segretario dei pontefici Callisto III ( 1455-1458), Pio II (1458-64), Paolo II (1464-71) e Sisto IV (1471-1484), nominato nel 1467 vescovo di Massa Marittima, il Dati fu principalmente un poeta latino, anche se nel 1441 partecipò al Certame coronario (una gara di poesia in volgare ideata a dall’Alberti) con una scena tratta dal De amicitia, recitata nella cattedrale di Firenze.

A causa dei numerosi lavori di ristrutturazione subìti nel corso dei secoli (un primo massiccio intervento risale ai secoli XVII-XVIII, Lamberini, 1990), la chiesa ha perduto le tracce della sua plurimillenaria antichità.

Nel 1894 l’edificio fu ampliato e ristrutturato e, in quell’occasione, tornò visibile un affresco trecentesco (purtroppo già deteriorato all’epoca e oggi conservato nella sagrestia, Carocci), proveniente dalla primitiva facciata, raffigurante la Madonna col Bambino tra i Santi Benedetto e Scolastica attribuito a Taddeo Gaddi ( id.).

Nel 1934 l’edificio cambiò orientamento: l’antica facciata situata a Ovest, assai semplice e allineata alla canonica, fu demolita per far posto al catino absidale e la nuova facciata a capanna, aperta da tre enormi archi a tutto sesto che poggiano su pilastri a base quadrangolare, fu progettata dall’architetto Arduino Matassini in stile razionalista; allo stesso Matassini si deve anche il progetto della vicina Scuola Elementare (oggi Biblioteca) “Duca degli Abruzzi”. ( Conti, 1983; https://www.scandiccicultura.eu/ biblioteca-e-archivio-storico/ storia.html- URL consultato il 15 gennaio 2019). Una iscrizione latina, collocata tra la canonica e il porticato, commemora la fine dei lavori di ristrutturazione, avvenuta nel 1937. Nel novembre del 1949 la chiesa fu elevata a propositura dal cardinal Dalla Costa (Bollettino dell’Arcidiocesi di Firenze- alla data 15 novembre).

L’attuale campanile, progettato da Don Marcello Peruzzi, fu inaugurato nel 1964.

Durante la recente campagna di restauro, sono tornate alla luce le antiche decorazioni neogotiche (fb L’Aria che Mancava, https://ariachemancava.it/chiesa-santa-maria-nuove-decorazioni-restauro/). Tra le numerose opere conservate si segnala, per esempio, nella Cappellina dei Voti, una Madonna col Bambino a mezzobusto, uno stucco attribuito a uno scultore vicino a Ghiberti o Donatello, dipinto di nero nel XIX secolo per la devozione alla Madonna del Carmelo. Questa scultura fu donata alla chiesa nel Seicento dalla famiglia Vitolini e veniva scoperta solo in caso di gravi calamità.

O ancora una terracotta invetriata raffigurante la Madonna col Bambino, uscita dalla bottega di Giovanni della Robbia ( inizi XVI secolo); un quadro di Pietro Benvenuti (anche se il Carocci attribuiva quest’opera a Tito Benvenuti, Sancta Maria de Scandiccio, Note storiche sulla chiesa di Santa Maria a Scandicci, 2016) rappresentante Cristo nel deserto che riceve il cibo dagli Angeli, datato 1828.

Ma forse l’opera più importante, purtroppo poco valorizzata, si trova nel corridoio che conduce alla canonica.

Si tratta di un architrave (e non come scriveva Carocci “il fronte di un sarcofago bassomedievale”) con figure mitologiche in pietra serena. L’opera scomparve all’inizio del XX secolo e venne rinvenuta nelle vicinanze della chiesa alla fine degli Anni Trenta (purtroppo non versa in buono stato, presenta infatti delle fratture, v. la foto qui sotto; Sancta Maria de Scandiccio, Note storiche sulla chiesa di Santa Maria a Scandicci, 2016).

La struttura è divisa in cinque formelle; in quella centrale troviamo due personaggi che sembrano danzare: Ercole, “il più popolare degli eroi greci” (Minigazzini-Turchi, s.v. Ercole- Enciclopedia Italiana, 1932), riconoscibile dalla pelle del leone nemeo che funge da mantello svolazzante, e una donna, cui l’Eroe tende la mano. La figura femminile sembra strapparsi i capelli, emblema di follia e disperazione. Ho il sospetto che l’artista si sia ispirato a un triste episodio della biografia di Ercole, forse tratto da una tragedia di Seneca, l’Hercules Furens, a sua volta ispirato all’Eracle di Euripide ( il Trecento fu l’epoca d’oro per le tragedie di Seneca, che furono commentate e volgarizzate) : nel prologo della tragedia senechiana, la dea Giunone annuncia la sua vendetta contro Ercole: gli farà perdere la ragione così ucciderà la moglie Megara e i figli. Lico, approfittando dell’assenza dell’Eroe, chiede a Megara di unirsi con lui in matrimonio, ma a causa del suo rifiuto, l’uomo ordina di sterminare la famiglia di Ercole. Provvidenziale è l’entrata in scena dell’Eroe che uccide il perfido Lico. Purtroppo il nostro Eroe scambia la moglie Megara per Giunone e la uccide senza pietà insieme ai figli; l’Eroe da benefattore dell’umanità si trasforma in un “baccante di Ade”, in un folle toro che muggisce e invoca “le Chere del Tartaro” come riportato nella tragedia di Euripide ( vv. 867-870).

Per quanto riguarda gli animali alati, inseriti nelle altre quattro formelle del fregio scandiccese, potrebbero rappresentare dei Vizi. A giudicare dal soggetto profano, sospetto che quest’architrave decorava l’ingresso di qualche residenza privata, forse qualche palazzo fiorentino, ma non è da escludere la provenienza da un palagio del popolo di Santa Maria a Greve.

Nel corso del Medioevo le fatiche di Ercole continuarono a sopravvivere, seppur tra confusioni e varie sostituzioni. Addirittura alcuni intellettuali credevano che l’Eroe fosse realmente esistito.

Tra le dodici fatiche quella che occupò maggior rilievo fu la lotta col Leone di Nemea, sia perché la pelle dell’animale, insieme alla clava, è uno di quegli attribuiti che meglio lo caratterizzano, sia perché l’evento veniva messo in relazione con alcuni episodi biblici- in particolare quello della lotta tra Sansone e il leone. Le figure di Ercole e Sansone le troviamo in un capitello della galleria orientale del chiostro di Moissac (1085-1100), mentre in un altro capitello un leone è tenuto contemporaneamente dai due personaggi (cattedrale di Langrès, XII-XIII secolo).

La figura di Ercole compare in alcune formelle del trono di Carlo il Calvo (823- 877), giunto a Roma intorno all’ 876 d.C.; per il sovrano franco Ercole era considerato un ideale modello di virtù, perché nella propria vicenda egli offriva “lo specchio di una vita parallela, deus-homo come l’imperatore carolingio, entrambi minacciati da forze ostili su cui riuscirono a trionfare.” (Weitzmann, 1973, cit. in C. Frugoni, s.v. Ercole, Enciclopedia dell’Arte Medievale, 1994). L’eroe ricompare come emblema della Fortezza (concezione risalente all’epoca tardoantica, v. Tertulliano, Agostino) nei pulpiti di Nicola (Pisa, Battistero, 1259-60) e Giovanni Pisano (Pisa, Cattedrale, terminato nel 1310, C. Frugoni, op. cit.). Nella Firenze dei secoli XIII e XIV, Ercole col Leone Nemeo divenne inizialmente il simbolo dalla fazione ghibellina e poi compare, insieme a San Giovanni Battista, nel sigillo del Comune (Davidsohn, vol. III, 1960). Nella città di Dante, l’Eroe assunse un preciso significato politico: i fiorentini videro in Lui la personificazione della propria città e nel Leone sia il rischio della presa di potere da parte di un despota, sia i nemici esterni (come i Visconti), che rappresentavano dei pericoli reali per Firenze.

Per quanto riguarda la sua datazione, Conti (1983) la inscrive al tardo XIII secolo, attribuendola ad un ignoto scultore vicino al Nicola Pisano della fase più tarda, cioè al periodo pistoiese-perugino (anni 1270) quando non affollava le sue scene, prediligendo delle formelle con poche figure. Chi scrive invece propone di spostare la datazione dell’opera alla fine del XIV secolo, ipotizzando come probabili modelli per il fregio scandiccese alcune sculture della Loggia dei Lanzi, in particolare mi riferisco a quei leoncini collocati alla base dei pilastri della Loggia dei Lanzi- opere di Jacopo di Piero Guidi e Francesco Neri Sellaio (Le statue della Loggia dei Lanzi in Piazza della Signoria- Capolavori restaurati- 2002) , alle protomi, anch’esse leonine, sulle quali veniva issato il velario attorno alla Loggia e quelle coppie di Telamoni ( realizzati dagli artisti sopra citati in collaborazione con Francesco Neri Fardelli) presenti in due mensole sulla parete di fondo della Loggia.

La Signoria decise di costruire ”unam pulchram et honorabilem logiam” ( C. Frey, 1885) nel 1356, in un periodo di grande fervore per le attività edilizie; la loggia fu inaugurata il 1° novembre 1382, ma l’apparato decorativo proseguì fino all’anno 1394 e il fatto che la gestione del cantiere fosse affidata all’Opera del Duomo determinò una “fusione stilistica” degli elementi decorativi della Loggia e della Cattedrale ( Le statue della Loggia dei Lanzi, p. 233). I primi responsabili dell’apparato scultoreo della Loggia furono Jacopo di Piero Guidi e Francesco Neri Sellaio, pagati nel 1382 ( anno in cui venne terminata la parte architettonica) per l’esecuzione di alcuni leoncini collocati alla base dei pilastri della struttura, oggi sostituite con copie moderne. Sarà forse a causa delle loro dimensioni ridotte, oppure a causa del rapporto con lo schematico Neri Sellaio se questi leoncini però non riescono ad eguagliare la vivacità e la grazia dei leoni stilofori della porta dei Cornacchini in duomo, gruppo scultoreo realizzato dal Guidi intorno al 1380 ( cfr. KREYTENBERG, 1995).

Interessante è l’iconografia dei personaggi che popolano le due mensole: le coppie di Telamoni, affiancati da due angioletti, potrebbero rappresentare due diverse sfere sociali della Firenze dell’epoca, la Nobiltà ( con panni all’antica- mensola ad est) e la Borghesia ( con abiti moderni- mensola ad ovest).

Nonostante questo lavoro sia ancora in fase di sviluppo, ci sono buone possibilità che quest’opera possa essere inserita nel corpus di questi artisti minori.

Per concludere, Scandicci, come del resto lo stesso contado fiorentino, seppur al cospetto della Grande Firenze, conserva delle piccole, splendide perle storico-artistiche, che non hanno nulla da invidiare coi beni culturali di altri territori limitrofi. È nostro dovere tutelare queste opere d’arte per lasciarle in eredità alle future generazioni

Angela Label nasce a Lamezia Terme l’8/7/1979. La sua carriera artistica inizia a 18 anni quando, partecipando a Miss Italia, vince il premio Miss Wella per la Calabria.

All’età di 20 anni si sposta in Toscana dove lavora per Il Nuovo Corriere di Firenze. Incontra quindi un editore, titolare di Toscana TV e TVR Teleitalia, che le offre la possibilità di avere una trasmissione.

Inizialmente Angela rifiuta, poi si convince diventando così la conduttrice di “Linea diretta” e “Mattino in salute”.

Rimane nell’emittente per quattro anni, quando arriva la chiamata di Stefano Poli, editore di Italia 7.

La proposta è quella di diventare il volto dell’emittente regionale, opportunità che Angela coglie.

La storia con Italia 7 dura per cinque fruttuosi anni, durante i quali conduce “Salute e Benessere” e occupa il ruolo di segretaria di produzione di “Aspettando il Tg”, trasmissione enogastronomica.

Nel frattempo Angela scrive per varie testate e posa spesso come modella per shooting fotografici, cosa che tutt’ora le capita spesso, principalmente prestando la sua figura a raffinate marche di gioielli. Conduce per anni, fra le altre cose, “Magnifica Toscana” insieme a Sergio Forconi.

Dopo la parentesi ad Italia 7, inizia l’avventura con Teleregione Toscana, storia tuttora in corso e ricca di soddisfazioni. Angela conduce da due anni con successo “Ma che Bontà” ed è conduttrice inoltre di “Il professionista risponde”.

La carriera di Angela abbraccia anche il mondo del cinema: partecipa negli anni a film come “Uscio e bottega” di Marco Daffra, “I Toscanacci” di Gaetano Gennai e “Perchè mi guardi così”, film di Alessandro Gelli in uscita ad Aprile.

I progetti per il futuro non mancano: è in programma un impegno teatrale in cui viene trattato il ruolo della donna nella società, toccando temi delicati come la violenza, affrontati però in maniera autentica e ironica.

Mi chiamo Stefano Menichetti, sono nato a Fucecchio in provincia di Firenze il 28 ottobre del 1972, dal 2006 sono sposato con Valentina e nel 2007 nasce mia figlia Giulia.

Nel 1973, al compimento del mio primo anno di età, con la mia famiglia, ci siamo trasferiti da una zona rurale di Cerreto Guidi alle splendide colline di Giogoli, molto vicino a Villa Collazzi, meta dei miei pomeriggi estivi. Nella pace del luogo ho avviato e portato avanti il mio percorso scolastico, fino a quando l'improvvisa perdita di mio padre mi ha costretto a un incontro prematuro con il mondo del lavoro. Ho passato un anno come dipendente di una radio locale, occupandomi di regia e registrazione di spazi radiofonici, una parentesi intensa che ha suscitato in me l'istinto della scoperta e il valore delle relazioni. Ben presto, grazie alle opportunità offerte dal nostro territorio, sono entrato nel mondo della moda, presso un famoso brand di livello internazionale. L'azienda ha investito molto nella mia formazione, il mio lavoro oggi consiste nello stimare il costo industriale delle categorie di pelletteria belt e luggage, per donna, uomo e bambino.

Non sono mancati gli impegni extra lavoro, con una militanza politica durata dieci anni passando dai più svariati incarichi, da referente comunale del partito, fino a membro del direttivo regionale dello stesso, un'esperienza tanto straordinaria quanto fondamentale nella mia vita. Ho vissuto questo periodo con grande spirito di servizio.

Abbandono il percorso politico nel 2017, il mio impegno prosegue con l'adesione all'associazione genitori del primo comprensivo scolastico di Scandicci, prendendo parte per due anni al direttivo con l'incarico di segretario. Oltre al rapporto con l'istituzione scolastica sono stati molti gli eventi organizzati, feste di Natale, feste di fine anno, settimane della legalità e così via, fino all'evento che, oltre a toccare la mia sfera personale, mi ha portato a prendere una decisione importante per la mia vita, la giornata del 7 febbraio del 2016, evento di sensibilizzazione ai fenomeni del bullismo e del cyber bullismo.

Ho maturato la consapevolezza che era necessario fare qualcosa di più, andando oltre a quelli che erano i limiti del nostro statuto, che poneva vincoli territoriali e di autonomia nei confronti del comprensivo stesso.

Questo è stato uno dei motivi che ha portato me e altri genitori a pensare di fondare un'associazione dedicata al fenomeno, autonoma e senza vincoli. Altro motivo, sicuramente molto importante per me è stata l'esperienza vissuta con mia figlia, vittima di episodi di bullismo.

È così, che nel giugno del 2017 prende vita Zona Debullizzata, una realtà formata da genitori che, a causa delle più svariate vicende, sono entrati in contatto con il fenomeno del bullismo. Questa diventerà ben presto una realtà multidisciplinare composta di psicologi e avvocati, ritenendo opportuno di fare qualcosa in più, oltre l'importante opera di sensibilizzazione.

Sandra Landi, scrittrice e saggista, lavora nel campo dell’antropologia culturale e delle scienze sociali, con particolare attenzione alle storie di vita. Ha collaborato e collabora con le maggiori case editrici nazionali ed è tradotta in spagnolo e in tedesco. Ha pubblicato La guerra narrata (Marsilio 1989); Ritratto a tinte forti, scritto con C. Corso (Giunti 1991, Fischer 1993, Talasa Ediciones 2000); Il quaderno di Quintilio e Il quaderno dell’insegnante (Protagon 1993); Lettere dal limbo (Morgana 1996); Donna Anna (Morgana 1996); Quanto vuoi? Clienti e prostitute si raccontano scritto in collaborazione con C. Corso (Giunti 1998); Griselda fra memoria e scrittura (Olschki 2001) Giardini di marzo (Morgana 2003), Con passione e con ragione in collaborazione con altri autori (Polistampa 2004); ha curato Leggere e scrivere in tutti i sensi (Morgana 2003), Scritture e Ri-scritture (Morgana 2005); Scrivere di scienza e di mistero (Morgana 2007); con F. Cambi ha curato Il dis-agio giovanile nella scuola del terzo millennio, (Armando 2007), L’immagine della società nella fiaba (Armando 2008), La magia nella fiaba (Armando 2010), Fiabe di tutti e di ciascuno, (Nicomp 2011); con A. Borsetti Luna e l’altro (Morgana 2009); altri scritti di narrativa, poesia e saggistica sono apparsi in riviste, testi scientifici collettivi e libri d’arte. Del 2006 è SpreadingOut/ dif-fusione poetica, del 2007 Io/oI, ovvero resistere per esistere, rappresentazioni teatrali più volte replicate.

Nel 2016 ha curato De amicitia, per Nicomp L. E.

Da un suo racconto è stata tratta la performance per voci, action painting, ensemble e nastro magnetico Ottavia più volte rappresentata, l’11 Gennaio 2018 è stata replicata nella Sala della Regina di Montecitorio.

L’ultimo libro “Ottavia e le altre” è uscito nel 2018 per la Casa Editrice Le Lettere e ha inaugurato il Progetto “Punte di spillo” che raccoglie 15 eventi contro la violenza sulle donne www.puntedispillo.it.

Formatrice di insegnanti e Dirigente scolastica è stata Direttrice dell’Agenzia Nazionale per l’autonomia scolastica per la Toscana e l’Umbria. Organizzatrice di eventi, ha fondato l’Associazione culturale Griselda, per favorire la crescita di una cultura della diversità e dell’integrazione attraverso la lettura e la scrittura come “anticorpi per la mente”. Unisce all’impegno per la scrittura, quello politico per il movimento femminile e giovanile.

www.sandralandi.it

www.facebook.com/sandra.landi.184/

"È forse così che possiamo immaginare il livello zero della creazione: una linea rossa di divisione attraversa la densa oscurità del vuoto, e su questa linea appare un qualcosa di indistinto, l'oggetto-causa del desiderio; probabilmente, per alcuni, il corpo nudo di una donna...La linea rossa che attraversa l'oscurità è il soggetto, e il corpo è il suo oggetto."

Slavoj Zizek, Meno di niente

Mi ha fatto ricordare, questa frase, il momento in cui Fusi mi parlò di una traccia rossa, una linea che seguiva certe parti delle sue figure, mantenendo inalterato l'equilibrio delle forme. Temporalmente nato per ultimo rispetto al quadro già presente, questo sottile colore rosso marcava e s'inscriveva lasciando una doppia firma sulle figure che da sempre narrano le poetiche del Fusi. Non posso dire che sia stata fondamentale: ma, dallo sgorgare del rosso, anche un'altra profondità è nata. Con quest'ultima produzione, il pittore fa ancora un passo avanti andando a rileggere un immaginario che gli è proprio. Un immaginario di un mondo che si faceva conoscere attraverso un certo cinema americano, che creava miti sia degli attori, sia dei ruoli che andavano a interpretare. Fusi, mai come prima, mi permetto a dire, parla veramente di sé: sono suoi, attraverso la tela, gli indiani, gli attori della MGM, Rodolfo Valentino, Marilyn Monroe, Marlon Brando. Quella patina che vela le figure, stavolta, è proprio l'esatto attraversamento dell'occhio verso un proprio interiore. L'immagine è resa reale, firmata di rosso, raccontata attraverso un velo, resa ancora una volta avanti l'occhio esattamente così come deve rimanere, nella sua distanza.

Andrea Mello

Il disegno e la pittura di Danilo Fusi pongono al centro l'uomo e la donna, e di loro specialmente il volto, che entro l'impeccabile concatenazione dei contorni si raccoglie e viene esaltato nello sguardo. E per non restare prigioniero entro una bravura che potrebbe diventate maniera, Fusi apre alla propria arte vie di fuga, sommesse irregolarità entro una forma che tenta le vie della perfezione: a volte è un segno forte che interrompe la continuità dell'immagine, a volte un inatteso schiarimento o iscurimento, a volte un contorno rosso che profila un particolare dandogli un risalto e un'enfasi al di fuori e al di sopra dell'intorno. E quando Fusi entra in contatto con l'energia delle creature animali, come i suoi bei cavalli, la classicità sapiente del disegno prende andamenti infervorati, e il rosso e il nero delle matite divengono gli strumenti per catturare il movimento nella luce. Pur da artista che ha una sua profonda coerenza e una vocazione sicura, lo sentiamo ogni volta -sulle tele e sulle carte - alla ricerca di un rinnovamento di sé, che non teme la rottura e l'imprevisto.

Cristina Acidini

Soprintendente per il Patrimonio Storico, Artistico ed Etnoantropologico e per il Polo Museale della città di Firenze

Insieme al fratello Andrea esordisce come regista teatrale nel 1972.


Don Giovanni, Victor ou les enfants au pouvoir, Hamlet, Calamity Jane (quest’ultimo allestito al Piccolo di Milano) sono alcuni dei testi che hanno diretto in Italia e all’estero.

Dal 1975 inizia la loro collaborazione con la RAI e firmano come registi numerosi film, miniserie e commedie tra cui: Impostore (film per RAI DUE), La cosa sulla soglia (film per RAI DUE), La biondina (miniserie in tre puntate per RAI DUE), Diario di un uomo di cinquant’anni (film per RAI DUE), La purga del bebè e Leonia è in anticipo (2 commedie per RAI DUE), La contessina Mizzi (commedia per RAI UNO), Uscita di emergenza (commedia per RAI DUE), I nuovi territori del teatro (cinque specials per RAI DUE), Nel gorgo del peccato (miniserie in due puntate per RAI UNO), La storia spezzata (miniserie in quattro puntate per RAI DUE), La storia di Chiara (miniserie in due puntate per RAI DUE), Due madri per Rocco (miniserie in due puntate per RAI DUE), Dopo la tempesta (film per la tv RAI DUE), L’avvocato delle donne (serie in sei puntate RAI UNO), Il nostro piccolo angelo (film per la tv RAI DUE), Don Milani: il priore di Barbiana (miniserie in due puntate RAI DUE), Come l’America (miniserie in due puntate RAI UNO), Marcinelle (miniserie in due puntate RAI UNO), Angela (film per la tv RAI UNO), Giovanni Falcone (miniserie in due puntate RAI UNO).

Dopo la scomparsa di Andrea, Antonio ha realizzato sempre per la Rai: Il commissario De Luca (quattro film per la tv RAI UNO), Violetta (miniserie in due puntate RAI UNO), Per amore del mio popolo - Don Diana (miniserie in due puntate RAI UNO )

Nella loro attività di registi hanno diretto Mariangela Melato, Sergio Castellitto, Annamaria Guarnieri, Gabriele Ferzetti, Umberto Orsini, Gastone Moschin, Massimo Dapporto, Sabrina Ferilli, Massimo Ghini, Andrea Giordana, Luca de Filippo, Lelo Arena, Barbara de Rossi, Elena Sofia Ricci, Claudio Amendola, Lorenza Indovina, Antonio Manzini, Maria Grazia Cucinotta, Emilio Solfrizzi, Vittoria Puccini, Massimo de Francovich, Jean-Pierre Cassel...e molti altri.

Durante la loro attività televisiva Andrea e Antonio Frazzi hanno ottenuto numerosi Premi Nazionali e Internazionali tra cui: - Premio AICRET della critica televisiva per Il gorgo del peccato - Premio per il miglior film al Festival Internazionale “Central European Iniziative” per Dopo la tempesta - Premio Ennio Flaiano per Don Milani : il parroco di Barbiana - Premio Ente dello Spettacolo RdC Awards 2006 per Giovanni Falcone - Premio come miglior film al 13th Shanghai TV Festival per Giovanni Falcone - Premio Internazionale Efebo d’oro, Premio Kineo e Silver Chest per Il commissario De Luca.

I quattro film de Il commissario De Luca sono andati in onda anche su Channel Four della BBC

Per il cinema hanno realizzato nel 2004 il film Certi Bambini che ha ottenuto i seguenti riconoscimenti: European Film Academy Award 2004 Discovery – Prix Fassbinder - 3 Nominations ai Nastri d’Argento - 2 David di Donatello e 4 Nominations tra cui miglior film e miglior regia - Globo d’oro come miglior film al Festival Internazionale di Karlovy Vary - Premio come migliori autori per la Federazione Italiana Cinema d’Essai - Menzione Speciale della Giuria al Festival CinemaMed di Bruxelles - Premio della Film Commission della Regione Piemonte - Premio per la migliore sceneggiatura al Festival du grain a Demoudre 
(Francia) - Premio per il miglior attore protagonista al Premio Flaiano - Premio speciale della Giuria e Il Grifone d’argento al Giffoni Film Festival. 


Sempre per il cinema hanno diretto il film Il cielo cade che ha ottenuto i seguenti riconoscimenti: Nomination al Premio David di Donatello - Nomination al Premio Nastri d’Argento - Menzione speciale della Giuria al Kinderfilmfest del 51° Festival di Berlino - Premio come Miglior Film e premio del Pubblico al Festival di Giffuni - Premio Globo d’Oro della Stampa Estera in Italia - Premio del Pubblico al Festival di Villerupt (Francia) - Premio Miglior Film al Fort Lauderdale International Film - Festival (USA) 


Antonio Frazzi è Membro della Giuria del David di Donatello ed è membro della Giuria dell’European Film Accademy Award

Mi sto innamorando di te

Quante parole torturiamo?

Singole, a coppie, a gruppi di tre,

perfino intere frasi.

Che siano semplici, di tutti i giorni

o pesanti, il gusto non cambia.

Le soffochiamo con la lingua,

le deglutiamo giù per la gola

senza mai digerirle.

Quante parole torturiamo

senza mai riuscire poi ad ucciderle?

Spingono dal petto

e noi stupidi, resistiamo

perché illusi che per dirle

sia troppo presto.

Loro se ne fottono

dei tempi giusti o di quelli sbagliati.

Loro vogliono uscire,

poco importa se dalla pancia

o dalla testa.

Loro vogliono soltanto vivere

e dovremmo imparare a farlo anche noi.

Pas de bourree

Un, due, tre e quattro.

Quanto tempo ho lasciato per strada,

scivolato tra le dita

a desiderare di cambiare il passato,

a modellare come un Dio egoista

sorti e l’altrui fato.

Cinque, sei, sette e otto.

Qui, l’ora sono la nostra materia,

l’argilla che una volta usata

rimarrà tale, sempre.

Un, due,tre e quattro.

Una musica scandita

un passo indietro col corpo fuori asse,

un pas de bourree tra le fini lancette

dei nostri eterni orologi.

Cinque, sei, sette e otto.

Darò nuovo valore alla mia danza

e sarò felice

se mi penserai anche solo il tempo

necessario a leggere questa poesia.

PNX

Sei come l’aria dei miei polmoni,

nascosta vicino al cuore e spingi

e sgomiti cercando il tuo spazio.

Non ti arrendi,

spezzi il fiato,

ti fai sentire forte

ad ogni mio respiro

a ricordarmi che sei qui,

dentro di me e non vuoi uscire.

Ti tieni con le unghie al petto,

i colpi di tosse

i tamburi della marcia,

del tuo inno

che io canto mano sul cuore.

Regina

Capelli contorti,

rami di nocciolo dalle foglie disadorno

alle porte dell’inverno.

Immagini della fuga d’ogni pensiero

dalla ristretta gabbia della mia testa.

Occhi di terra fertile e legno antico,

scure cortecce bagnate dalla pioggia.

I colori del mio volto

si contendono le ombre dell’abisso,

basta sporgersi un poco per perdersi

in quella oscurità e vederla

col suo scettro e corona.

Dentro poesia regna

le mille altre anime

scalpitano chiuse nella

rete sempre più stretta del tempo.

Regina generosa

quando nutrita,

ma crudele se tradita.

Droga che scopre ogni mio nervo,

radica il dolore su pagine ingiallite

e veste di prestigiosi tessuti il mio amore.

Sinossi

Nelle pacifiche stanze della Basilica di San Francesco, a Siena, durante una riunione di condominio la discussione degenera molto bruscamente. I buoni frati, non riuscendo a portare la pace, chiedono l’intervento del vicino Comando Stazione dei Carabinieri. Per un caso del tutto fortuito, sarà Casati a doversi occupare della questione.

Inizia così una storia, non molto chiara, di prestiti, cooperative, investimenti immobiliari, il cui protagonista principale, ingegner Quintiliano Recalcati, si è reso irreperibile.

Una professoressa confida a Costanza, giornalista ed amica di Casati, alcuni episodi di pesante bullismo che si stanno verificando nella sua scuola.

Il nostro maresciallo dovrà affrontare quindi due indagini molto particolari. Cercherà perciò di muoversi con grande accortezza coinvolgendo anche il buon Anselmi che, nel frattempo, è andato in pensione.

Nonostante tutte le cautele, alle prime difficoltà, con un pretesto, gli vengono sottratte entrambe le indagini. Casati non sa davvero che pesci prendere né darsi spiegazioni convincenti. Proprio in quei giorni anche Marisa è costretta a lasciarlo solo.

Si fa improvvisamente buio nella vita del maresciallo. E poi… poi c’è l’Armando che cade.

Gianna Giachetti - Giovanissima si diploma nel 1956 all'Accademia d'Arte Drammatica Silvio D'Amico, insieme ad altri futuri grandi nomi dello spettacolo italiano come Umberto Orsini, Giuliana Lojodice, Gian Maria Volonté, Ferruccio Soleri e Mario Missiroli. Ma già tre anni dopo, in seguito ad alcune esperienze teatrali ("Il mistero", "Nostra Dea", "Ifigenia in Tauride" e "Liolà", la maggior parte dirette da Orazio Costa), entra a far parte di uno sceneggiato di Giacomo Vaccari L'idiota (1959) con Giorgio Albertazzi, Anna Maria Guarnieri, Anna Proclemer, Stefano Tofano, Lina Volonghi e l'amico Gian Maria Volonté. Passa dalla più leggera commedia musicale "Lina e il Cavaliere" con Vittorio Caprioli e diretta da Giuseppe Patroni Griffi alla prosa impegnata di "Veglia la mia casa Angelo" di Luchino Visconti e viaggia di città in città con titoli come: "Le ragazze bruciate verdi", "Portava la maschera", "Gog e Magog" di Sandro Bolchi con Ugo Tognazzi, "Uomo e Superuomo" di Luigi Squarzina con Alberto Lionello, "L'irresistibile ascesa di Arturo Ui", "La cameriera brillante, "J.B.", "Don Giovanni involontario", "La Moscheta", "L'ufficiale reclutatore" e "Don Giovanni". È una delle migliori attrici in circolazione, la pupilla di registi come Gianfranco De Bosio e Franco Parenti che lavoreranno principalmente con lei. Giorgio De Lullo, folgorato dalla sua passione sul teatro la vuole come Maša in "Tre sorelle" (1964), poi sarà la signora Perella in "L'uomo, la bestia e la virtù", che segnerà il suo passaggio dal Teatro Eliseo di Roma allo Stabile di Palermo. Infine, dopo l'incendio dello stesso teatro, andrà allo Stabile di Bolzano.

La scelta del teatro

Dopo essere stata diretta anche da Eduardo De Filippo in "Il cilindro", la si vede apparire al cinema nel film di Claudio Gora La contessa azzurra (1960) con Amedeo Nazzari e in La viaccia (1961) di Mauro Bolognini con Jean-Paul Belmondo e Pietro Germi. Ma il vero amore della Giachetti continua a essere il teatro e il piccolo schermo, così come il grande, è appannaggio di pochissimi titoli: Gli addii (1961), La maschera e il volto (1965), Don Giovanni (1971) e La signora delle camelie (1971) di Vittorio Cottafavi, Grandi ospiti (1967) e Il commissario De Vincenzi (1974). A un certo punto, sceglierà senza ombra di dubbio il teatro, preferendo alla cinepresa e agli studi di registrazione televisivi il palcoscenico. È un vuoto incolmabile quello che la Giachetti lascia nel cinema, è doveroso dirlo. Ma tutto quello che toglie alla settima arte, dove è eccelsa, lo restituisce al teatro con interpretazioni folgoranti: "Terra sconosciuta" (1985), "Faust" (1986) diretta da Glauco Mauri, "Vita di Galilei" (1988), "Sogno di una notte di mezza estate" (1988) dove è una favolosa Titania, "Edipo" (1991) di Renzo Rosso, dove è una fulgida Giocasta, "I rusteghi" (1992) riscuotendo un enorme successo, "Il ventaglio" (1993) ritrovando Luigi Squarzina.

Il ritorno sul grande schermo

Il cinema la riacciuffa solo nel 1996, quando la ritroviamo accanto ad Alessandro Benvenuti nel divertente Albergo Roma. Benvenuti trova la Giachetti un monumento intoccabile della toscanità teatrale e la impone nel suo film Ritorno a casa Gori (1996). L'attrice torna anche a fare televisione: Don Milano - Il priore di Barbiana (1997), il telefilm giallo Trenta righe per un delitto (1998) di Lodovico Gasparini, Ama il tuo nemico (1999) e Un prete tra noi (1999).

Il bellissimo ruolo di Elsa in Il cielo cade

Supera se stessa nell'incisiva scena di Il cielo cade (2000) di Andrea Frazzi, ispirato alle reali vicende che colpirono nell'età infantile la regista italiana del free cinema inglese Lorenza Mazzetti. Il suo ruolo è Elsa, la cameriera di casa Einstein (parenti del grande scienziato Albert Einstein), dove la piccola Lorenza vive dopo la morte dei genitori, affidata alla zia (Isabella Rossellini). Quando le truppe naziste entrano nella casa dove le ragazze abitano, fucilando a tutta la famiglia, Elsa si nasconde con le due bambine (Lorenza e sua sorella) fra le braccia e le difende da morte certa confermando la loro religiosità cattolica e non ebrea. Anche se è una scena che dura pochissimo, gli occhi della Giachetti, quel leggero tremolio delle labbra, ma la forza che imprime nel tenere strette le bambine a sé non passano inosservate.

Altri lavori

Scelta da Abbas Kiarostami per il suo Copia conforme (2010), l'attrice la si può vedere più frequentemente in Un colpo al cuore (2000) di Alessandro Benvenuti, Incompreso (2002) di Enrico Oldoini con Luca Zingaretti, Margherita Buy, Fabio Sartor, Riccardo Manera, Irene Ferri, Luigi Diberti e Carlo Monni, A casa di Anna (2004), Don Matteo (2002-2006), Donna Roma (2007).

83 anni, 24 Luglio 1935 (Leone), Sesto Fiorentino (Italia)

Nel silenzio la parola

muove i suoi passi.

Dai labirinti dell’anima

segue il filo del sentire profondo,

dipana matasse Intrigate

dove luci ed ombre

hanno volti di bimbi,

fa tesoro di un linguaggio segreto

poco a poco illuminato di luna

e su su risale

col respiro del cuore

fino a posarsi sulla pagina bianca

a sigillo di nudità nascoste.

IL TABARRO di Giacomo Puccini (New York 1918) - lettura scenica del testo. Dramma in un atto dello scrittore francese Didier Gold, rappresentato a Parigi nel 1910, a cui Puccini e il suo librettista Giuseppe Adami si riferirono per la composizione dell'opera omonima. Detto testo viene proposto nella traduzione, dall'originale francese-argot, del musicologo Vincenzo Ramon Bisogni e accompagnato da musiche tratte dall'opera di Puccini, eseguite al pianoforte

Il Cielo è invidioso della Bellezza di Firenze, per questo scrive Vasari: “tutti i dì di saette la percuote.” E se “Firenze è come un albero fiorito”, come canta il personaggio di Rinuccio nell’opera Gianni Schicchi (1918) di Giacomo Puccini, lo deve anche alle sue “convalli limpide e feconde”, che hanno dato i natali a illustri personaggi, che nelle Belle Arti e Scienze, hanno fatto “più ricca e splendida Firenze”.

Il contado fiorentino è stato anche teatro d’importanti eventi storici e conserva delle splendide perle artistiche; e anche Scandicci non fu di certo da meno.

In cima a un poggio, situato sulla sinistra del Vingone e rivolta verso la piana di Settimo, si erge la superba Villa di Castelpulci, uno dei più famosi beni culturali monumentali del nostro territorio.

L’importante strategicità di questo luogo è documentata fin dal più lontano Medioevo: infatti, poco lontano dal poggio adesso occupato dalla villa, sorgeva il castello di Montecascioli o Monte Cascioli (documentato fin dal Mille), uno dei tanti fortilizi dei Cadolingi, potente famiglia comitale della Toscana dell’Alto e del Basso Medioevo e patroni dell’abbazia di Settimo. Il castello venne distrutto dai fiorentini nel 1113, inaugurando così la politica espansionistica della Città del Giglio.

Nella XIII secolo la prestigiosissima famiglia Pulci acquistò il terreno occupato dall’ex dimora dei Cadolingi per costruirvi un castelletto di campagna.

Di parte guelfa questa famiglia possedeva delle case tra la chiesa di Santo Stefano al Ponte e quella di San Pier Scheraggio, mentre la torre urbana dei Pulci sorgeva in via de’ Lamberteschi e la loro loggia era ubicata nel popolo di San Pier Scheraggio. Furono attivi nell’Arte della Lana e, stando al Malespini, combatterono contro i partigiani ghibellini: erano infatti presenti tra le file dell’esercito fiorentino alla battaglia di Montaperti del 1260.

Si racconta che questa famiglia giunse in Italia dalla Provenza al seguito di Carlo Magno ( + 814). Secondo un’altra antica tradizione, già consolidata ai tempi di Dante (cfr. Pd, XVI, 127-132), questa casata ottenne dal marchese Ugo di Tuscia ( + 1001)- il gran barone di dantesca memoria- l’ambitissimo privilegio di fregiarsi, con alcune variazioni, dello stesso stemma del sovrano toscano: “di rosso, a tre pali d’argento.”

Alla fine del XIII secolo i Pulci erano una famiglia ben in vista a Firenze e nell’Italia dell’epoca: Ser Manetto prese in consegna dagli Este il castello di Argenta (1299) e due anni dopo ottenne la cittadinanza veneziana; Jacopo Sinibaldo divenne rettore in una chiesa irlandese per volere di Niccolo IV ( Davidsohn, 1896-1927, VI), successivamente fu elevato canonico di Romsey e infine arcidiacono di Winchester. Secondo alcuni studiosi la figura di Jacopo Sinibaldo sarebbe legata a Castelpulci, infatti egli avrebbe commissionato gli affreschi della cappella gentilizia di San Jacopo (fondata nel XIII secolo, purtroppo chiusa al pubblico) rappresentanti le storie di Santa Caterina d’Alessandria, a un artista moderno che la critica recente ha identificato in Grifo di Tancredi. Altri riportano come probabile committente degli affreschi Pulce di Fiorenzino- citato in un sigillo nelle Osservazioni istoriche sopra i sigilli antichi de’ secoli bassi (III, 1740) del Manni.

L’erudito toscano aveva ravvisato nel sigillo in questione, oltre allo stemma de’ Pulci, anche “l’antica prospettiva della suburbana Villa appellata Castel Pulci.”

La villa è stata poi raffigurata in alcuni disegni di Leonardo da Vinci ( Codice Madrid) e di Giorgio Vasari il Giovane, nipote del ben più famoso storico dell’arte.

Nel 1321, a causa di dissensi finanziari, l’immobile venne rilevato dal cardinale romano Napoleone Orsini e i suoi eredi restaurarono il castello; in epoca imprecisata l’immobile ritornò ai suoi antichi proprietari.

Nel 1325 durante la guerra tra Firenze e il signore di Lucca Castruccio Castrani- acquartierato a Signa- le truppe di quest’ultimo dilagarono nella pianura circostante e fecero razzie. Non è chiaro se il palagio de’ Pulci sia stato coinvolto nelle scorrerie del condottiere lucchese. Se vi fu una distruzione questa dovette essere parziale, in quanto dai registi quattrocenteschi, si evince che erano ancora in piedi le “mura del Chastello” scandiccese.

La famiglia Pulci diede i natali a tre importanti letterati: Bernardo, Luca e Luigi. Quest’ultimo compose il più antico poema faceto della nostra letteratura- Il Morgante, pubblicato nel 1478. Il letterato visse a Scandicci più di una volta, perché dovette fuggire da Firenze a causa dei debiti contratti dalla sua famiglia.

Spesso Luigi Pulci leggeva il suo poema, che si facevano delle grosse risate. Nell’anno del Signore 1480 si narra che a Castelpulci furono invitati Lorenzo de’ Medici, il Magnifico signore di Firenze, e il matematico Paolo dal Pozzo Toscanelli, che possedeva una villa a Mosciano (Villa Bertelli; Luigi Gravina, 1940, p. 37).

Un personaggio del poema del Pulci, Astradotte, discute con un cavaliere di viaggi attorno al globo, sostenendo che si possa viaggiare oltre lo Stretto di Gibilterra, le antiche Colonne d’Ercole. Allora uno dei presenti interruppe il Pulci dicendo che avventurarsi oltre le Colonne d’Ercole sarebbe stata un’impresa folle: antiche leggende narrano di mostri marini assetati di sangue umano i quali avrebbero ucciso chiunque avrebbe varcato i confini dell’ecumene allora conosciuto. Il Magnifico intervenne difendendo il Pulci: “egli è un buontempone”, disse, “ma anche un dotto”. Il Toscanelli prese la parola e informò i presenti che un marinaio genovese- tal Cristoforo Colombo disse- inviò al matematico fiorentino una lettera nella quale chiedeva una carta geografica e dei calcoli relativi alla distanza che separa l’Europa dall’ India. Il marinaio genovese, continuò Toscanelli, avrebbe intenzione di raggiungere l’Oriente passando per l’Occidente. Dell’impresa colombiana, che nel decennio successivo avrebbe portato delle grandi conseguenze, se ne discusse a Scandicci.

Il 18 agosto 1511 Castelpulci passò ai Soderini, all’epoca una delle famiglie più importanti di Firenze: Piero, dopo la cacciata dei Medici, assunse il titolo di Gonfaloniere a vita della Repubblica Fiorentina. Sotto il suo governo si disputò la “sfida del secolo” tra Leonardo e Michelangelo, chiamati dal capo dello stato fiorentino ad affrescare la Sala del Maggior Consiglio (oggi Salone dei Cinquecento), ma nessuna delle loro opere fu mai completata.

Il fratello minore di Piero, Francesco Soderini, già vescovo di Volterra, acquistò Castelpulci per 4.800 fiorini. Questa famiglia trasformò l’antico palatium medievale in una villa signorile. La villa rimase di proprietà dei Soderini fino al 1590, quando passò ai marchesi Riccardi di Firenze. Costoro furono dei grandi collezionisti e protettori di diversi artisti, come Francesco Conti, la cui famiglia proveniva dalla frazione scandiccese di San Colombano.

I Riccardi, a partire dal 1667, intrapresero dei lavori di ampliamento della fabbrica: aggiunsero un grandioso viale che collega la dimora alla Via Pisana- il cosiddetto Viottolone, progettato da Giuliano Ciaccheri ( Firenze, 1664- 1705); restaurarono la cappella e commissionarono all’ing. Gioacchino Fortini, che insieme al fratello Benedetto si occupò dell’ammodernamento di Villa Il Diluvio, la scenografica facciata (1735), ben visibile dall’intera vallata dell’Arno tra Scandicci e Lastra a Signa.

L’ultimo Riccardi, Riccardo Giuseppe, si suicidò a Torino a soli 18 anni gettandosi nelle acque del Po nel 1847, quando era al servizio del Re di Sardegna. In seguito all’estinzione della famiglia Riccardi, la maestosa villa divenne di proprietà pubblica. Con regio decreto del 3 maggio 1854 la struttura fu destinata a ospedale psichiatrico. La scelta fu dettata sia per la salubrità del luogo, sia per risolvere il problema dell’affollamento dell’antico Spedale di Santa Maria Nuova.

Nel 1860 i documenti dell’epoca riportano che le persone rinchiuse in manicomio erano 600. Dal 1918 la villa ospitò il poeta Dino Campana, che spirò a Castelpulci il 1° marzo 1932; a stroncarlo fu la setticemia. Venne tumulato in un primo momento nel cimitero di San Colombano e dopo tormentate vicende, dal 1946 riposa nell’abbazia di Settimo.

Nel 1973 la struttura cessò la sua funzione di ricovero e, dopo anni di abbandono, la villa risorse a nuova vita una volta elevata a sede della Scuola Superiore della Magistratura nel 2012.

La marionetta vivente di Liliana Ugolini (Florence Art Edizioni)

Nelle nostre facoltà di parola e di volontà (che già esistono come possibilità dateci – ed è qui il punto... non ci siamo inventati da noi –) vedo l’incapacità di cambiare un disegno di cui anche noi siamo artefici, guidati proprio come marionette e burattini. Di questo non ci accorgiamo perché guardiamo gli avvenimenti da dentro presi come siamo a tentare di risolverli. Ma il giudizio sui tempi lunghi è l’evidente incapacità di cambiare i flussi naturali (maree, meteo, sommovimenti, rinascite, metamorfosi) dei quali facciamo parte poiché anche noi, con i nostri comportamenti, esprimiamo meteo, maree, sommovimenti, rinascite, metamorfosi.

La marionetta

Se io svolassi o vibrassi

i miei perché avrebbero risposte nel Divino

(sublime ai punti fermi).

Potrei fondarmi diritto d'individuo

o in metempsiche assorta alle magie

scoprire segni di destino, se io avessi

una fede qualsiasi che non sia

quella presente e naturale

nel giudicarmi cellula galattica,

mediterei domande che partono da me.

Invece io che son fuori di me

sono il gatto degli occhi, son le zanne d'avorio,

sono il calor di piagge e il maremoto,

son l'orrido e la nota che frange l'assoluto

il crac d'un ghiacciolo quasi muto, una vetta,

un nocciolo, la galassia lattea, il buco nero, il mistero

d'un carattere cocciuto. Qui nello stretto

rispondo al risaputo mentre aspetto prodezze

nel disegno, fuori dal centro

fuori da parole.

La Presidentessa della Commissione Pari Opportunità, Laura D’Andrea, ed il Sindaco Sandro Fallani hanno premiato Rosa Maria Scarlino nel corso di una cerimonia che si è svolta il 9 marzo 2018 nell’Auditorium della Biblioteca M. A. Martini di Scandicci. Pianista raffinata, ha insegnato pianoforte principale al “Braga” di Teramo, al “Frescobaldi” di Ferrara, al “Cherubini” di Firenze ed ha avuto numerosi allievi che hanno anch’essi intrapreso una brillante carriera musicale. Attiva nella vita culturale fiorentina e scandiccese, è il Direttore Artistico del Centro dell’Arte Vito Frazzi, che l’ha vista protagonista sin dai primi anni di attività

Elba isola di poeti e narratori di Alessandra Palombo domenica 15 settembre 2013

La rosa dei venti di Cesare Giacomo Toso (Florence Art Edizioni)

La rosa dei venti è l’ultima raccolta di poesia di Cesare Giacomo Toso che ha già pubblicato con la stessa casa editrice Florence Art Edizioni, Alter Ego. Versi liberi o neoromantici nel 1998 e Giorno dopo giorno nel 2001. Toso ha ottenuto numerosi riconoscimenti, tra i quali ci limitiamo a ricordare il primo premio al Città d’Este nel 2005, il primo premio al Bartolomeo Sestini di Capoliveri nel 2005 e nel 2006, Il fiorino d’oro per la poesia inedita al Premio Firenze nel 2006, la selezione d’onore al Premio Firenze per la poesia inedita nel 2007, la selezione al Premio Internazionale Mario Luzi nel 2012.

La sua terza raccolta La rosa dei venti si apre con la poesia Se mai tornassi dove con tono quasi sussurrato e pochi versi delicati il Poeta dipinge il suo sogno:

Se mai tornassi/ a seguir la raganella/e contare i girini/dentro al fosso,/vedere il limo/incunearsi nel dosso/dove la vita/ torni a spargere sostanza/ e non limiti/ i colori all’evasione.// Illumini la finestra/ a sera, / dove l’impossibile/ preceda questo giorno.

Una poesia introspettiva, una poesia dell’anima alla continua ricerca di un mondo, di una felicità terrena perduta, ma tuttavia sempre inseguita e immaginata fuori dal presente, spostata altrove. L’altrove diventa così il punto focale verso cui l’uomo si sente attratto come le folene dalla luce delle lanterne e dove egli si illude si trovi il suo Eden. E’ una poesia legata alle emozioni del ricordo, alle sensazioni che restano fotografate nelle memoria ed oggi riproposte sul piano espressivo della liricità. Nel testo iniziale troviamo accennati i maggiori temi cantati dall’autore nella sua raccolta: la natura da lui spesso descritta con toni lievi, sfumati, quasi a dipingere un quadro impressionista, la malinconia per ciò che è passato, la riflessione sulla vita umana.

Descrizione della natura e riflessione si fondono nella seconda poesia Al bosco: la merla , poco prima dell’inverno, vola attorno al capanno dove arde la legna, si divide il pane e il taglialegna/ come la merla/ si contenta/ e campa/ e la natura e la grande capacità di descrivere con versi musicali e chiari sono i protagonisti di Quando è novembre che ci presenta un quadro di un lago dove il panorama e l’aria malinconie rinnova.

La malinconia che traspare nei versi di Toso, è una malinconia che possiamo definire delicata, mai tagliente, mai arrabbiata e anche quando l’autore rivolge al Signore una preghiera bastano poche righe per sintetizzare la sua esistenza e quella dell’umanità: Come luce vieni/col tuo nitore/ e dal dolore presente/ ci consoli.

Il mare, elemento centrale della natura e nella vita dell’autore cresciuto affacciato sul mare, ricorre in più di una poesia e non poteva essere altrimenti. Toso il mare lo conosce bene e lo canta con musicalità.

Mare che può essere aspro/ e struggente/ come il tempo/ che precede come quello che solcò assieme alla madre che volava con ali pesanti quando lasciarono l’Elba per trasferirsi a Firenze dove Toso riprese gli studi universitari dopo la perdita della vista in seguito ad un incidente stradale: 

Adonai

Fu quel giorno,

nella scia

di un mare aspro

e struggente,

come il tempo

che precede.

Sì, eravamo diversi

siamo quelli naufragati

al di qua

sul continente,

fra gli alberi

fatti ostacoli,

irte palafitte;

ignari,

sconosciuti pensieri.

Così cominciò

un altro giorno.

Perla, con me

mi guardava

con i suoi occhi

fatti brace.

Volava con ali pesanti

di colomba ferita

come spesso spirito

di forza

e solitudine.

Io, condottiero vinto

volsi lo sguardo

indugioso, perso,

su di lei

e la seguii.

Tutto taceva,

in quel grigio

fresco mattino.

Lei che d'inverno

amava il silenzio

quando il mare

senza nubi

è infinito,

era felice

nella pace

del suo cuore.

Ora, la stagione

del bello

è rimasta

al di là

sulle ferrigne, brunite

scogliere.

Si apriva

il nostro mare

ci lasciava andare

verso un'altra Sion;

allora si compì

l'ultima estate

e tutto si rifaceva

attesa e vita nuova.

Ma, non sentimmo

più né odore di mare,

né il vento.

Quel mare che i pescatori si portano dentro quando tornano a casa stanche e delusi in Porto Pidocchio, il mare che si vede dal suo balcone, che sbatte la sua schiuma in Capo Bianco , un bellissimo testo dedicato alla sua spiaggia, al suo amato sport, alla sua giovinezza ricordata quando i capelli più non sono come l’oro.

Capo Bianco è, tra l’altro, la poesia con cui l’autore ha vinto il XXIV Premio di Firenze per la poesia inedita nel 2007 con questa motivazione:

Con tratti rapidi e sapienti il poeta descrive un’estate elbana lontana nel tempo, interpretando con originalità la voce e i colori dell’isola amata, come metafora del proprio profondo sentire: così l’esistenza stessa intera si snoda attraverso il filtro dei ricordi in versi di intensa forza lirica. Di volta in volta i sentimenti si identificano con la voce del mare, con i colori vividi della natura, con il trascolorare dell’oro dei capelli; il tutto reso con pennellate vibranti “rubate” alla pittura impressionista. […]

Nei versi di Cesare Toso il mare s’intreccia con l’amore come nei versi iniziali e finali di Composizione breve: il mare in trasparenza/ di nuovo appare… le tue piccole mani/lievi, magiche, come l’Irlanda/ il cielo,/ Lucia.

E l’amore è, infatti, un altro grande tema trattato nelle poesie del libro La rosa dei venti. Il titolo, non a caso, prende il nome dal primo verso della poesia a Lucia G., ma anche altri testi parlano d’amore, l’ amore verso la madre Marta, la nonna, le donne tutte come nella poesia intitolata appunto Le Donne che si apre con un’invocazione di Giovanni Paolo II nella “ lettera alle donne” “ Vegli Maria,/ Regina dell’Amore/ sulle donne/ L’ amore , come ben scrive scrive Vera Franci Riggio nella prefazione in una prospettiva modernamente stilnovistica, veduto e vissuto, come sublimazione ( non negazione) dell’istinto e proiettato in una dimensione di luce, di canto, di consolazione. Lucia, la sua donna, è infatti luce gentile, stella che al pari dell’astro mattutino accompagna /il giorno/ chiara radiosa/ come Venere fanciulla”.

Lessi le prime poesie di Cesare Toso nel 2001 e già mi colpì la naturalezza dei suoi versi che riescono a rievocare un momento, sia descrittivo che introspettivo, con pochi tratti.

In La Rosa dei Venti ho trovato un Toso più maturo e ancor più raffinato nella scrittura, un poeta che oltre a riprodurre quadri nitidi e colorati ci regala poesie che trasmettono serenità per il continuo interagire della natura con i sentimenti umani e che in fondo sono una lezione di vita per chi legge perché ciò che scrive l’autore rispecchia le emozioni e i turbamenti degli stessi lettori.

"Non so se trent'anni ininterrotti di attività giornalistica televisiva siano più o meno meritevoli della festa che è stata promossa e organizzata per la ricorrenza da tante persone che evidentemente hanno avuto modo di apprezzare il mio lavoro.

Certamente andare in onda tutte le sere arrivando a un totale di 15 mila puntate e 200 mila interviste realizzate in oltre 500 località diverse, anche se non dovesse rappresentare un record, è stata senza dubbio una bella impresa, stressante ma allo stesso tempo appagante, che vale la pena ricordare.

La televisione è entrata per la prima volta nella mia vita nei primi mesi del 1957 sotto forma di un grosso scatolone contenente un inusuale mobile quadrato di legno con uno schermo sul davanti. In Italia c'erano pochissimi apparecchi televisivi perché ancora molto costosi; mio padre ne aveva potuto acquistare uno come dipendente Rai avendo avuto particolari facilitazioni di pagamento. Il privilegio di avere un televisore in casa, non solo mi trasformò da subito in un precoce telespettatore, ma mi fece di colpo diventare il bambino più coccolato, ma anche invidiato, del rione del Pignone, perché tutti speravano in un invito per condividere la visione dei programmi.

La sera, il salotto di casa nostra si trasformava in una specie di piccola sala cinematografica dove tutti gli abitanti del casamento si riunivano stando anche in piedi, mentre noi ragazzini ci si sparpagliava sul pavimento, per vedere le prime trasmissioni di successo come Lascia o raddoppia, Un due tre, Telematch e il Festival di San Remo. Il 1957 fu anche l’anno della nascita di Carosello che…".

Così scrive Borghini nel suo libro "Incontri con l’arte … e non solo" e continua la narrazione dei suoi fantastici incontri documentandoli con delle bellissime foto che bloccano nel tempo i luoghi e i personaggi che ha intervistato e conosciuto personalmente.

Auguri Fabrizio!

UNA DELICATISSIMA RACCOLTA DI VERSI, COME UN LUNGO VIALE DI FIORI

Inutile cercare Revery Edizioni su internet. Il logo, con il trifoglio leggero a sottolineare il nome della casa editrice, sembra essere più raro di un quadrifoglio. Me lo aveva detto Monica Infantino, editora e curatrice della grafica del bel libro di poesie di Erika Sartori, Camminando nel mio giardino.

Non essere su internet è una scelta precisa. Significa non sottrarre tempo, ma curare ogni particolare dando a ogni pagina “il suo tempo”. Significa non alzare la voce ma sussurrare la strada che conduce al tesoro. E si vede bene, si tratta di un libro delicatissimo e curato. La copertina calza perfettamente il titolo e accompagna il lettore come lungo un viale di fiori e di piante che sono le pagine, le poesie, i versi.

Rimango stupita nel leggere la risposta ai miei pensieri: l’introduzione al libro si intitola proprio “Sottovoce”.  E’ così. Ogni pagina è un alito di vento, una brezza leggera. E su tutto il colore si stende liquido, a volte vivace, altre tenue,  ma sempre  pieno di “visioni di impressione”.

L’autrice ci racconta come sono nate le sue poesie . “Ogni memoria mi ha portato al suo posto, nel preciso angolo di giardino, in quel luogo particolare dove è cominciata la sua storia”.

Il giardino è la metafora primigenia che vive in ognuno. E’ il luogo magico delle luci e delle ombre, è il mondo seducente dei sentimenti più belli, dei pensieri, dei ricordi, dei segreti.

I versi dell’autrice sono delicati come ali di farfalle e luminosi come quelle delle lucciole. Il giardino è popolato di piccoli animali e le parole si sfogliano al vento come petali di rose.

Un paesaggio idilliaco come quello delle fiabe incantate, ma guardando bene tra i rami e le piante, osservando meglio nella terra nera si trovano impastati altri umori. Sono pensieri profondi, malinconici, di quelli che fanno i conti con la vita e lasciano spazio anche al rammarico, al dolore.  La poesia di Erika non è pace casalinga e piaceri botanici ma stratificazioni complesse rese leggere e chiare dalla sua capacità sensibile di trasformare in colori tenui anche i pensieri più duri. Nelle ombre del giardino prendono forma figure che avanzano e si lasciano riconoscere in pochi tratti. Il figlio cresciuto all’improvviso nella sua giacca perfetta, la madre scarmigliata in bicicletta, sempre giovane e luminosa nella sua apparizione, e sempre lei nel momento della nascita insieme alla zia e alla Madre divina. Il padre, che come nel figlio trova la parola “rabbia”. E la passione per l’uomo amato, il disincanto e lo sperdimento, l’amica di matita… tutti giungono nel giardino a farle visita, nel suo microcosmo personale pieno zeppo di ricordi e di pensieri. Talvolta dal giardino qualcuno fugge per afferrare un attimo di libertà, come la cagnolina Matilde, un episodio apparentemente banale che nella poesia dischiude altri significati e diventa mito. Un giardino che tuttavia non rimane sempre chiuso nella sua perfezione addomesticata di piante, alberi e fiori ma che talvolta si apre e lascia irrompere il mare libero, perfetto, che contiene ogni presenza e dimostra la grandezza di Dio. 

La poesia di Erika Sartori mostra ciò che vorremmo essere e come vorremmo vivere, accettando la vita con tutte le sue contraddizioni, e viverla così, in modo delicato, come passeggiando in un bellissimo giardino, attraverso le stagioni, e curare attentamente ogni pianta, accompagnarla e attendere che ogni fiore sbocci.

[da: Portale Letterario, Portale di Critica Letteraria del circuito cittanet - Recensione di Maria Milvia Morciano]

Camminando nel mio giardino (Revery Edizioni)

Musica

Mi restano nelle dita

le note che mi hai donato

il ritmo

scandisce

l’orologio

degli accordi

fuori

piove

ascolto

Träumerei

l’armonia

danza

nel mio cuore

tu sei qui

con me

e sorridi

tra una nota e l’altra.

Attesa. Musica. Moto

Divoro le scale con quattro balzi oblunghi ed eccomi qua, un pò sudato, tra le gente in movimento: zaini, gambe arrostite dal sole, valige, corpi, scarpe colorate. Il pavimento a grumi ne esce saturato. Bussa il basso alle trombe di Eustachio, legando quanto ho davanti a me con una riproduzione casuale, condendo e unendo un via vai discontinuo che si avvita, a loop.

-Arrivo tra dieci minuti- avverte il cellulare. Aspetterò. Davvero strano per me arrivare in anticipo, che di solito sono gli altri a precedermi. La schiera di orari sfolgora sopra il naso e sembra stare lì appesa a farmi la morale: -Impara bene stronzo, cosa vuol dire perdere tempo.-

Ma non ho nulla da imparare che per una volta sono corretto, antipatici moniti digitali! Ed essendo la terza volta nella mia vita che arrivo in anticipo, capisco di tenerci in qualche modo.

A mio modo.

Stacco una cuffia, non voglio rimanere completamente sott’acqua. Il tintinnio degli spiccioli alle macchinette mi fa voltare subito la testa, crea un gioco ritmico curioso e sì, la voce gracchiante degli annunci ecco che monta un background. Attendere non è un gioco del silenzio, anzi, la musica sta cambiando. O forse sono soltanto le sequenze a cambiare?

Cerco di infilarmi in una posizione ritrosa, lontana dalle spalle della gente ma non abbastanza per impedirmi di abbracciare il branco con lo sguardo. Voglio vederli tutti, ma non voglio essere visto con le mani in mano, perciò mi impegno duramente nell’azione di vederli tutti.

Occhi a mandorla, transazioni sconvenienti, cibo insano, carne in scatola, divise, rotaie, movimento, attesa, vagoni appesantiti dalla vernice spray. E ancora gambe bordeaux, valige, tomaie colorate. Una sigaretta elettronica. Una sigaretta elettronica? Eh, sennò da dove proviene quest’aroma di tabacco sintetico che ha solo il nome, soltanto l’etichetta “essenza alla vaniglia”, ma sa di eserciziario di algebra lasciato invecchiare in un sottoscala umido?

Mi si chiude lo stomaco.

Gli orari continuano a scivolare a testa all’ingiù come le cifre verdi nella matrice di Matrix e i dieci minuti se ne vanno con loro. In una risposta inconsapevole, le dita si avvicinano alla bocca per venire sgranocchiate, suonando il benvenuto all’ansia. E dalla cuffia sembrano arrivare alcuni suggerimenti appropriati: i suoni evolvono tremolanti, sottesi al languido, glacialmente ossessivi; le ritmiche invece rabbrividiscono rimbomando sugli ottavi.

Getto uno sguardo sul nome dell’artista. Me l’aspettavo, mi avevano sconsigliato di aggiungere questa merda in playlist: comunque dopo tutto non male, ci sta.

Sento il bisogno di scuotermi, succede che non posso più star fermo ad aspettare e che mi devo muovere e anche se non ho con me che un cellulare ritardato, un lettore mp3 antidiluviano e un paio di cuffiette bianche, sottili e scontate (banali e prese a sconto), sono comunque molto impacciato (davvero è schiacciante la sensazione di non avere nulla addosso e sentirsi comunque impacciati o d’impaccio).

Inizio a toccare il cellulare con un tocco quasi taumaturgico, sperando che lo schermo sia capace di placare le mie preoccupazioni. E così l’ultimo evento che si manifesta sullo schermo è una vorticosa scia di stelle, l’effetto visivo d’impatto che precede la notte blunerastra dei dispositivi elettronici non più di ultima generazione. Impreco. Non riuscirò mai a trovarla.

L’avevo vista due volte, si sono sicuro due volte, e una di queste due volte l’avevo soltanto intravista. Plano dall’entrata più stretta vicino alle scale a quella più ampia che da sulla piazza, ispeziono la biglietteria, i due tabacchi, la libreria, le aree ristoro, la libreria ristoro.

Forse è già partita.

La cassa batte i quarti, la chiave scatta in maggiore sull’inciso tagliente, così che si inarca una certa epicità del tipo: adesso o mai più! Gli stessi bagagli, le stesse gambe accavallate a grumi tengono il tempo, gli stessi volti sconosciuti e la serie di annunci indistinguibili cavalcano il giusto, sovraccarico battito per minuto nella fuga collettiva dal baricentro, come particelle impazzite sotto la fiamma di un becco bunsen.

Sono un bagno di sudore al limite tra il rassegnato e l’euforico quando la vedo alle macchinette, girata di schiena, mentre nutre con gli spiccioli quella curiosa macchina da groove.

Si volta e mi sorride. Era lì, esattamente da dove mi ero mosso, e io ho tutti i capelli scompigliati: mi passo una mano sopra la testa per incasinarli ancora di più.

Parliamo a bassa voce mentre l’accompagno al suo binario con un’andatura robotica, poi recupero una cuffia affogata dentro la mia t-shirt e gliela porgo. Sembra pensierosa sulle prime, o forse sembra solo apprezzare. Una cuffia io, una cuffia lei: la musica ci avvolge come un panno fresco di suoni, ma non ci isola.

Tra i fischi incalzanti, una buona percentuale di pudore e le tonanti richieste di permesso, filtra un bacio: si chiude quell’attesa, si chiude quel moto.

Ma non la musica, che continua, nel tempo. Non il magma di tensioni e risoluzioni, non il differenziale centripeto che sospinge il brodo primordiale di teste e cuori.

Mi volto nella direzione opposta al suo saluto e correndo via, ormai sudato fradicio, scorgo la cascata di orari verde smeraldo procedere imperterrita, indifferente ai ritardi come agli anticipi. Sott’acqua, immersa nella sua stessa musica.

Tales from GuidoLand

https://www.facebook.com/guidolandiniwriting/

La violenza sulle donne ha radici molto profonde, nasce dalla violenza grave o piccola subita nella quotidianità e viene esasperata dalla insicurezza e dalla incapacità di comunicare dei singoli.

Un’educazione sbagliata impartita da donne e uomini, dalla scuola e dalla comunità tutta, porta a quelle forme disturbate che ormai sempre più spesso sfociano nella violenza anche grave.

Femminicidio, Bullismo ed altro…

Per modificare radicalmente queste cattive abitudini bisogna prima di tutto con coraggio denunciare la violenza… sempre!!! e contemporaneamente comprendere l’importanza dell’educazione concreta fatta di continui piccoli gesti nel quotidiano…

[Vincent Way]

Per visione d’anima (Giuliano Landolfi Editore)

Ai miei cari

Mi affidasti un campo, una famiglia

vi piantasti alberi di generazioni

sposo figlie nipoti,

un mio comando li nominava:

sii ciliegio, pesco, susino, mandorlo,

non sapendo che erano solo tuoi

scelti uno ad uno, sfolgorante sapienza.

Zappavo faticavo affannata, azione

presunzione, senza conoscere i frutti

diversi dal sogno del desiderio.

Fu dopo - quanto tempo?

che compresi il mio bene così miope

dinanzi al tuo amore così lungimirante

che li destinava a un’imperscrutabile

sublime realtà dove non potevo

seguirli inseguirli.

M’inginocchio sulle zolle a capo chino

per chiedere perdono di tanta cecità.

Il torrente scorra nella pace verso la luce.

I passi e le soste (Florence Art Edizioni)

Contemplare la bellezza

Contemplare la bellezza

della selva

che s’intenebra di muschi e serpi

e all’improvviso gorgoglia di sorgenti

è trasalimento

di commossi stupori.

Ripercorrere nella memoria

quegli stessi luoghi

e riviverne l’emozione

è sdraiarsi con gli angeli

sull’erba delle radure.

Nella religiosità medievale il Diavolo occupava un ruolo fondamentale; era un’ossessione che si manifestava nelle principali rappresentazioni artistiche e nelle opere letterarie, sia quelle auliche che popolari. Nel corso dei secoli il Principe delle Tenebre ha assunto nomi e forme differenti. Tra tutte le raffigurazioni del Demonio senza dubbio quella più celebre è il Lucifero di Dante. La fortuna del suo Demonio è quella di aver assemblato, per la prima volta, precedenti elementi desunti da varie fonti, sia letterarie che figurative (contemporanei, del Medioevo più lontano, della tradizione classica) per creare questa orribile macchina di tortura, partorita dall’alta fantasia dantesca.

Il Lucifero di Dante è collocato nella Giudecca, è un essere orribile, gigantesco, peloso, ha tre teste di tre colori diversi ed è dotato di sei ali di pipistrello con le quali provoca i venti che ghiacciano Cocito. Piange, a causa delle sua eterna sconfitta, e le lacrime si mescolano al sangue dei tre massimi peccatori dilaniati da Satana: Giuda, al quale viene morsa la testa, Bruto e Cassio, che pendono dalla bocca di Lucifero appesi per i piedi, come i giganti Fergusius e Conallus, divorati dal diavolo Acheronte, nella Visio Tnugdali ( metà XII secolo), che sporgono l’uno dalla sua bocca coi piedi e l’altro con la testa.

Tra le principali fonti iconografiche del Demonio ai quali Dante potrebbe aver visto vanno menzionati i Diavoli di Coppo (post 1268) del Battistero di Firenze (a sua volta ispirato ai diavoli-sileni dei pulpiti dei Pisano) e di Giotto della Cappella Scrovegni di Padova (1303-1305); tuttavia vi sono anche delle discrepanze col Demonio dantesco: nel Lucifero di Dante sono assenti le appendici serpentiformi antropofaghe che escono dalle orecchie di Satana e anche un orribile trono anch’esso serpentiforme. Giotto, a differenza del diavolo di Coppo, lo dipinge come un essere nudo, obeso e peloso, mentre defeca un peccatore. Questi demoni sono privi delle ali di pipistrello e della tricefalia, cosa che invece le ritroviamo nel poema dantesco; quest’ultimo connotato iconografico discenderebbe dalle divinità solari tricefale dell’evo classico, aventi però valore positivo, e di cui troviamo traccia in numerose raffigurazioni medievali (Vultus trifrons scolpito nella facciata della basilica di San Pietro a Tuscania- prima metà XIII secolo, un altro Diavolo tricefalo nel chiostro di San Giovanni in Laterano, 1230 ca.) Negli Atti di Pilato (IV secolo) il diavolo Infernus chiama il suo padrone “tricefalo Belzebù. Boccaccio ricorda che nel monastero di San Gallo c’era un affresco con un diavolo, cui Francesco Sansovino (XVI secolo) gli attribuisce molte bocche e che i bambini, di fronte a questo affresco, erano terrorizzati; fin dall’età romanica alcuni diavoli potevano essere raffigurati con molte bocche lungo il corpo. Nelle varie riedizioni della Visio Pauli (III secolo), un testo che narra il viaggio di San Paolo nell’aldilà, viene presentato un mostro orribile, chiamato con nomi diversi, le cui teste variano da tre a cento e sembra che sia seduto su un drago. Per Yves Christe (2000) il trono su cui siede Satana sarebbe una “interpretazione vivente e mostruosa dell’antico trono a faldistorio”, una soluzione iconografia di origine occidentale; individuando come probabile origine il trono di re Dagoberto, oggi conservato al Louvre. L’iconografia dei serpenti che escono dalle orecchie potrebbe essere interpretata come un esorcismo- il Male, con le sembianze di serpente- lascia il corpo dell’ossesso; oppure rappresenterebbe l’invidia o la maldicenza che si ritorce contro la sua fonte (capitello della cattedrale di Basilea, XII secolo).

Il collegamento tra l’immagine diabolica e quella dei pipistrelli è antichissima, già nel IX secolo i chirotteri furono esplicitamente collegati al Diavolo. La combinazione tra Demoni e chirotteri nell’ambito della didattica per immagini aveva già fatto la sua comparsa nelle scene di esorcismo: dalla bocca dell’indemoniato fuoriescono dei diavoletti e/o dei pipistrelli, come nell’esorcismo della figlia di Gioviano da parte di San Geminiano, scolpito nella Porta dei Principi della cattedrale di Modena dal Maestro di San Geminiano (inizio XII secolo). In alcuni bestiari il pipistrello è emblema anche del popolo ebraico (e.g. quello di Pierre de Beauvais), incapaci di vedere la luce del Salvatore. L’animalità del Diavolo discende dai bestiari e molti animali figuravano come personificazione del Principe delle Tenebre, a cominciare dai serpenti. Nella letteratura cristiana delle origini egli assume le sembianze di un africano. Secondo Luther Link la negritudine diabolica, simbolo della corruzione e del peccato, deriverebbe da antiche divinità egizie e nubiane. La pelle del Diavolo poteva essere anche di colore blu o viola, colori che, secondo Kirschbaum (1940), rappresentavano l’aria priva della luce del sole. A partire dal tardo medioevo il rosso del fuoco e delle pene infernali verrà associato al Diavolo. Alcuni demoni hanno la chioma fiammeggiante, soluzione iconografica discendente dalla Gorgone (dalle cui smorfie gli artisti potrebbero aver preso a modello per le linguacce dei diavolacci), dal titano Tifone, dalle Erinni/Furie oppure da alcune raffigurazioni del dio Bes, divinità minore dell’Antico Egitto, dalla chioma arruffata oppure con una fascia che lega delle piume di struzzo. Queste divinità avevano una funzione apotropaica, cioè di scacciare gli spiriti maligni; Bes era il dio protettore dei lattanti e la sua immagine la troviamo in suppellettili e talismani anche fuori dall’Egitto: sulle prue delle navi Fenici, nei vasi ellenistici e a volte vestito come un legionario romano. Quindi l’iconografia medievale del Demonio ha origini complesse e varie e che le sue radici affondano nella demonizzazione del Pantheon pagano, un processo nel quale l’attribuzione a Satana di elementi mostruosi procedeva di pari passo con la trasformazione in oggetto di condanna e di ripulsa d’immagini favolose proprie degli antichi culti, sui quali la nuova fede cristiana doveva trionfare.

Foto a - Coppo di Marcovaldo ( attribuito), l’Inferno, particolare del Lucifero, post 1268, Firenze, Battistero

Foto b - Codex Altonensis, Lucifero, folio 48, XIV secolo

"Storia di Rosa"

Il testo seguito per questo spettacolo è un'articolata serie di poesie che il Poeta Giovanni Pascoli dedicò ad una famiglia di contadini, gli Arrighi, che stavano a mezzadria nel podere annesso alla sua casa.

I personaggi: Rosa (Giovanna Lotti), Rigo (Flavio Gueli), Nando (Gabriele Zeetti), Viola (Doretta Boretti), (il Padre) Zeno Renzi, (la Madre) Marcellina Ruocco.

Alle voci narranti sono intervallati canti popolari toscani scelti ed eseguiti da Lisetta Luchini.

A cura di Enzo Lenzetti

Il respiro del mare (Florence Art Edizioni)

Ritmo di Onde

Ritmo di Onde

come respiro

del mare.

Tutto è ancora

possibile,

innocente

davanti a te.

A cura di Leonardo Colicigno Tarquini

Uno scandiccese all’Inferno

“Ch’averle dentro e sostener lo puzzo

nel villan d’Aguglion, di quel da Signa

che già per barattare ha l’occhio aguzzo.”

(Dante. Paradiso, XVI)

Nel XVI Canto del Paradiso Dante, che si trova nel cielo di Marte, ove risiedono gli spiriti combattenti per la Fede, prosegue la discussione coll’antenato Cacciaguida, morto in Terrasanta come soldato di Cristo.

Il Poeta, che si compiace della nobiltà della sua famiglia (la sua era però una famiglia dalla nobiltà decaduta) e rivolge all’avo quattro quesiti: chi fossero i suoi antenati, in che anno nacque Cacciaguida, quanti erano i fiorentini all’epoca e quali fossero le famiglie più ragguardevoli. Cacciaguida, attraverso una lunga perifrasi astronomica, risponde d’essere venuto al mondo verso l’anno 1091. Gli Alighieri vivevano all’epoca vivevano all’interno della più antica cerchia muraria ed i Fiorentini erano molti di meno rispetto ali tempi del Poeta. All’epoca la cittadinanza era ancora pura fino al più umile artigiano, ma adesso si è imbastardita a causa della gente proveniente dal contado.

L’epoca di Dante è caratterizzata dalla lotta tra il papato e l’impero, degli scontri tra la vecchia nobiltà urbana e l’ascesa dei nuovi ceti borghesi; a volte provenienti dal contado. Erano cioè degli inurbati. Da cittadino di nobile famiglia Dante avrebbe desiderato che la sua Firenze rimanesse chiusa negli antichi confini, e di non inglobare nuove realtà territoriali, all’epoca extramoenia, come il Galluzzo o Trespiano. Coll’andar del tempo giunsero in città questi inurbati, con la speranza di far carriera in città e alcuni di essi ci riuscirono: s’arricchirono ed ottennero la cittadinanza fiorentina ed ottennero titoli nobiliari e trasformarono i loro possedimenti cittadini e nel contado in splendidi palazzi e ville signorili. Ma agli occhi di Dante questi villici suscitavano una certa perplessità morale, visto che alcuni essi fomentavano imbrogli e tessevano discordie nella vita comunale.

Tra di essi vi era anche Baldo d’Aguglione, un giurista contemporaneo di Dante, che possedeva una villa nell’omonimo scandiccese, oggi occupato da Villa Antinori, che fu di proprietà addirittura dei Gherardini, dalla cui famiglia nacque la famosa Monna Lisa immortalata da Leonardo. Il colle è citato anche nel Dizionario del Repetti (XIX secolo) in un documento del 1352, compreso tra le proprietà della Pieve di Settimo. Alla voce “Pieve di Settimo” egli riporta che da quel colle discenderebbe il nostro Baldo, anche se altre località ne rivendicano l’origine.

L’inurbato Baldo era di parte guelfa e prese parte alla compilazione degli ordinamenti di giustizia dell’anno 1293 contro i Magnanti.

Esercitò la funzione d’ambasciatore dei fiorentini, prima per tentare un accordo tra i bolognesi e gli estensi (1298) e, nell’anno seguente, fu inviato alla corte papale.

Baldo all’epoca era noto per la sua corruzione e anche per la facilità nell’emettere sentenze o di “modificarle” a favore di personaggi piuttosto influenti.

Dante criticò aspramente tale personaggio, in quanto avrebbe importato il “puzzo della baratteria e dei brogli”.

Venne condannato all’esilio per un falso in un atto pubblico, episodio ricordato anche dal Sommo Poeta in Pg. XII, 104-105; nel Paradiso il giurista è chiamato con disprezzo “villan d’Aguglione” da Cacciaguida.

Dopo un anno di confino, Baldo riprese con successo l’attività politica, dopo la venuta di Carlo di Valois nel 1302, lasciò la parte bianca dei Guelfi per abbracciare la nera; successivamente il giurista acquistò grande influenza all’interno del Comune fiorentino assumendo le cariche più importanti della politica dell’epoca.

Il nome di Baldo è tuttavia legato ad una riforma che porta il suo nome, emanata nel settembre del 1311 per mitigare gli ordinamenti di giustizia, concedendo ai fuoriusciti l’amnistia, nel tentativo di pacificare gli animi in vista della discesa in Italia di Arrigo VII.

Ma Dante fu escluso da questa “provvisione”, insieme ad altri guelfi bianchi e ghibellini.

Probabilmente Baldo morì tra il 1313 e il 1314. Secondo quanto riportato dal Manni, a Santa Croce era posta un’iscrizione che indicava un “Sepulcrum D. Baldi q. Guglielmi de Aquilone” insieme ai nipoti.

Il suo destino, quando morrà, non sarà certo roseo; gli attendono infatti le pene dell’Inferno.

Ma se Firenze “è come un albero fiorito”, come canta il personaggio di Rinuccio nell’opera Gianni Schicchi di Puccini (1918), lo deve anche alle sue “convalli limpide e feconde.” È un vero e proprio inno al contado fiorentino, dal quale giunsero importanti personaggi che hanno fatto la Storia di Firenze, e che conserva anche degli importanti beni culturali. E Scandicci non ne fu da meno: anche se conserva un gioiello, purtroppo, mutilato e che speriamo possa ritornare integro alla comunità.

La Badia a Settimo e Firenze hanno un legame imprescindibile. Oserei dire costitutivo. 
Al settimo miglio dalla città, allora in verità un paese di poche migliaia di anime, sorse tra il 998 e il 1011 un'abbazia che ne segnò le sorti e gli avvenimenti, a sua volta segnata dalla crescita e dagli sviluppi di Firenze.
Il dialogo è stato costante e forte, durante i quasi 800 anni di vita del monastero. Ma non per questo esso fu sempre pacifico. Già gli albori della sua attività, la Badia si collocò in primissima linea sul fronte della riforma del clero. Il suo primo abate, Guarino, fu tra i promotori di quella insurrezione contro i principali vizi della Chiesa, come la simonia - ovvero la compravendita delle dignità ecclesiastiche - e il concubinato. Tra i principali indiziati, vi erano spesso proprio i vescovi che via via si succedevano al governo della Chiesa fiorentina. Un disegno sposato pienamente dalla famiglia che fondò Settimo e di cui mantenne il patronato per buona parte dell'XI secolo: i conti Cadolingi. In quanto appartenenti alla nobiltà extracittadina, i conti avevano tutto l'interesse ad indebolire il vescovo di Firenze, la cui autorità, ai tempi, era sia religiosa sia civile (siamo ancora infatti in epoca precomunale). Il punto apicale di questa temperie fu senza dubbio la celebre prova del fuoco, svoltasi nel febbraio del 1068, organizzata assieme ai seguaci di San Giovanni Gualberto, la cui buona riuscita fece spodestare prontamente il vescovo Pietro Mezzabarba. 
Eppure, l'arte riuscì a far dialogare queste polarità: ne sono dimostrazione la fase romanica della chiesa abbaziale (1025-1050 circa), ispirata all'arte cittadina e in costante dialogo con il cantiere della cattedrale di Santa Reparata (1036-1059), e il sepolcro delle contesse cadolinge Gasdia e Cilla, il cui geometrico disegno bicromo trae evidente spunto dal monumento funebre del vescovo Ranieri nel Battistero (1113). 
Quando Firenze si fece poi Repubblica, i legami cambiarono ulteriormente di passo. L'abbazia, nel frattempo passata ai Cistercensi per volontà di papa Gregorio IX nel 1236, sposò la causa repubblicana; la dirittura morale e la sapienza culturale dei suoi monaci offrì a Firenze la possibilità di numerose collaborazioni. Nel 1308 è testimoniata la custodia, all'interno delle mura del monastero, del sigillo della Repubblica, oltre al registro ufficiale che stabiliva la lista degli eleggibili alle principali cariche politiche. Come se non bastasse, fu richiesto ai Cistercensi di Settimo già nel XIV secolo di prestare servizio come amministratori e contabili dello Stato. Per questa ragione, essi stanziavano soventemente a Palazzo Vecchio: la cappella dei Priori è intitolata non a caso proprio a San Bernardo, santo di cui custodisce una reliquia forse donata dalla stessa Badia e pilastro dell'Ordine Cistercense.
Come segno profondo di questo rapporto, il Trecento fu anche il secolo delle collaborazioni finanziarie per accrescere la dotazione dell'abbazia. Le fortificazioni, in particolar modo, nacquero grazie al cofinanziamento della Repubblica assieme all'abbazia nel 1370: un sistema difensivo straordinario, che rese Settimo un monastero-fortezza protetto da fossati, muri di cinta, ponti levatoi, torri di vedetta. E, contestualmente, fu eretto anche il cosiddetto Colombaione, poderosa torre d'ingresso distrutta dai tedeschi, alla pari del campanile, al termine del secondo conflitto mondiale. Del resto, Settimo era diventato uno dei luoghi per eccellenza di custodia delle memorie religiose e civili del territorio, oltre ad essere scrigno di tesori particolarmente appetibili, come dimostra l'immenso partimonio di reliquiari solo in parte ancora oggi presente al suo interno. 
Ma vi è un altro aspetto. Settimo, nel corso dei decenni, accrebbe esponenzialmente la sua primazia commerciale e il suo presidio del fiume Arno. Aveva in proprietà porti fluviali, pescaie, mulini. Ed era diventato nel frattempo il principale luogo di arrivo e di stoccaggio del grano, coltivato ad ovest nelle pianure del Valdarno. Sul finire del XIII secolo fu costruito quindi un gigantesco granaio di 36 metri per 12, dove i cereali sostavano prima di riprendere il tragitto, via fiume, verso Firenze per essere redistribuiti a suoi abitanti.
Firenze, culla dell'Umanesimo e del Rinascimento, dette il suo segno anche nel Quattrocento. La Badia spalancò le porte a questa nuova e rivoluzionaria espressione artistica, capace di legare innovazione e tradizione, incentrata sulla cultura, sullo studio, sul rigore geometrico e sulla centralità delle virtù umane. E allora, questa relazione, trovò nuovi canali per approfondirsi. Nel 1460-1470 le opere realizzate nel monastero sono di limpida ispirazione brunelleschiana: l'abside maggiore a terminazione rettilinea, porzione della chiesa che fu destinata ad ospitare capolavori di Giuliano da Maiano, Ghirlandaio e Benedetto Buglioni, e il chiostro maggiore, allora a due piani, e replica esatta di quello della basilica di San Lorenzo. 
Ecco perché, sulla cima dell'altar maggiore, opera magistrale dell'Opificio delle Pietre Dure su disegno di Pietro Tacca nel 1639, vi è una miniatura della cupola del Brunelleschi. Quel legame così forte, così determinante, continuava ad essere presente nello spirito di quelle mura, nonostante fossero passati più di sei secoli dalla fondazione dell'abbazia. 
Donare, dopo la traumatica separazione del 1783 e lo smembramento tra una parte pubblica ed una parte privata, una nuova unità all'abbazia di Settimo serve dunque a ritessere i fili di un mondo plurisecolare che ci appare a volte lontano e passato, ma che ancora oggi custodisce valori di ingegno, cultura e fede fondamentali anche per la nostra contemporaneità.

Ricordiamo Giovanni Cicconi con le sue stesse parole, raccolte in questa intervista da Monica Cioci, nel 2003, quando egli era Direttore del Conservatorio “L.Cherubini”.

Intervista a Giovanni Cicconi

Direttore del Conservatorio “L. Cherubini”

Monica Cioci

(da “Firenze e la musica italiana del secondo novecento – Le tendenze della musica d’arte fiorentina – Dizionario Sintetico ragionato dei compositori” – Logisma editore, Firenze).

Maestro, sappiamo già da diversi decenni risiede a Firenze e ha prestato servizio presto il Conservatorio di Musica Luigi Cherubini. Ci vuole raccontare qualcosa sul suo primo impatto con la realtà fiorentina e con il mondo culturale della nostra città?

A Firenze sono giunto nel 1970, avendo accettato una cattedra di pianoforte principale al Conservatorio “L. Cherubini” per l'anno accademico 1970/71. Ero poco più che trentenne (sono nato nel 1938) e avevo i capelli neri e una folta capigliatura. Il percorso e le esperienze precedenti possono essere considerate abbastanza singolari. Sono nato a Milano da genitori di origine abruzzese. Qualche anno dopo la fine dell'ultimo conflitto mondiale la mia famiglia si trasferì a Teramo, in Abruzzo. Per molto tempo rimasero vividamente impressi nella memoria gli anni della mia infanzia, trascorsi in un ambiente nel quale ero perfettamente integrato e che dovetti abbandonare a malincuore. A Teramo ho iniziato i miei studi musicali, che ho portato a termine diplomandomi in pianoforte all'Istituto Musicale Pareggiato “G. Braga”, sotto la guida di Cristiano Rosati, un didatta impareggiabile, del quale conservo tuttora il più affettuoso ricordo.

A Roma, per qualche anno, ho studiato composizione e frequentato l'Università. Ebbi il mio primo incarico come docente al conservatorio “G. Rossini” di Pesaro per l'anno accademico 1963/64. Dopo tre anni, ho proseguito il servizio al Conservatorio “R. Duni” di Matera, dove sono restato per altri quattro anni prima di ottenere il trasferimento a Firenze. “Ma perché a Firenze?” si chiederà qualcuno. Rispondo subito: perché alla primavera inoltrata del 1969 ho conosciuto Rosa Maria Scarlino, che nel 1971 divenne mia moglie. Fu così che rinunciai alla cattedra di pianoforte principale all'istituto “G. Braga” di Teramo, che avevo ottenuto vincendo il concorso nazionale, e decisi di optare per il “Cherubini” di Firenze, liberamente e non senza coraggio e un pizzico di amore per l'avventura. Mia moglie insegnava a Ferrara e ottenne, l'anno successivo, il trasferimento. Diventammo, di conseguenza, colleghi. L'impatto con la realtà fiorentina non fu certo facile, agli inizi. Provenivo da un ambiente culturale completamente diverso, spiccatamente “provinciale”, e ho stentato molto ad ambientarmi. Ben presto compresi che non potevo pretendere di adattare alle mie particolari esigenze una realtà culturale di cui non avevo ma fatto parte e scelsi di tacere, ascoltare gli altri, riflettere.

Nel giro di breve tempo constatai alcuni aspetti fondamentali della realtà culturale fiorentina: innanzi tutto la predilezione per la discussione di temi legati alle problematiche più svariate, da quelle culturali e artistiche a quelle riguardanti la convivenza civile, a cui seguiva il dibattito, aperto a tutti i partecipanti, in cui ognuno poteva esporre le proprie opinioni senza timore di ripicche, rivalse o ritorsioni per quello che avesse dichiarato apertamente in pubblico. Inevitabilmente, rimasi coinvolto e iniziai a partecipare anche io. In particolare, al Conservatorio “Cherubini”, regnava un clima di particolare effervescenza, dall'esigenza sempre più crescente di riforme, di rinnovamento degli studi ed anche di una partecipazione più incisiva alla vita culturale della città, contro l'atteggiamento preclusivo della città, neghittoso dell'ala dei conservatori.

Non voglio dilungarmi. In conclusione, già nell'anno accademico 1974/75 ero membro del consiglio di direzione e nel 1975/76 ebbi la fortuna di essere direttore facente funzioni, in sostituzione di Valentino Bucchi, gravemente malato.

Risiedo a Firenze da oltre trent'anni e ormai posso dire di essermi completamente integrato in quella che posso definire, senza dubbio, la mia città di elezione. Riprova ne sia il fatto che quando sono lontano da Firenze, una profonda noia finisce prima o poi per opprimermi e non vedo l'ora di ritornare.

Quali sono state le personalità di rilievo del mondo musicale fiorentino con la quale ha avuto modo di avere contatti, scambi di idee e rapporti di collaborazione?

Delle figure “mitiche” del Conservatorio ho avuto modo di conoscere Veretti e Dallapiccola, ma non Roberto Lupi, scomparso proprio nell'anno in cui iniziavo il mio servizio. Fra i colleghi della generazione più anziana ricorderò sempre gli incontri con Piero Farulli, Paolo Fragapane e, soprattutto, con Mario Fabbri, uomo leale e generoso, oltre che di vasta cultura, che fu con me prodigio di preziosi consigli, nonché di affettuose ramanzine, ogni volta che il mio comportamento non lo trovava consenziente.

Contatti molto significativi ho avuto con molti compositori, fra i quali Carlo Prosperi, Arrigo Benvenuti e, in particolare, Piero Luigi Zangelmi, al quale sono legato tuttora da una profonda stima ed amicizia.

Nei primi anni Settanta, dato il clima tutto particolare che regnava in Conservatorio, i miei rapporti con i colleghi coetanei furono, di conseguenza, spontanei, immediati e, se così si può dire, motivati da estrema necessità ed urgenza. Non effimeri, però: sono passati più di trent'anni e con Aldo Bennici, Romano Pezzati, Leonardo Pinzauti e Alvaro Company, il mio amico di sempre, è rimasta la consuetudine di riconoscerci, ogni volta che ci incontriamo, comunemente partecipi degli avvenimenti da cui siamo rimasti coinvolti nei nostri anni giovanili, ricordando alcuni episodi e cercando di trarre ammaestramento dalle passate esperienze.

Fra i pianisti, ebbi subito modo di incontrare Guglielmo Rosati, il fratello del mio maestro, e di conoscere Paolo Rio Nardi. Fra i miei colleghi di allora ricordo in particolare Maria Tipo, Giorgio Sacchetti, Lydia Rocchetti, Alessandro Specchi, Antonio Bacchelli, Giancarlo Cardini, Lucia Passaglia e, naturalmente, mia moglie Rosa Maria Scarlino. Sapevo che non avrei incontrato Eriberto Scarlino, una figura di musicista a cui sono stato legato fin dall'età giovanile da un senso di riconoscenza e devozione a cui si aggiunse, dopo la sua scomparsa, un profondo rimpianto. Quando sostenni gli esami di diploma di pianoforte all'istituto “G. Braga” di Teramo, il maestro era commissario ministeriale e ritenne di attribuire il massimo dei voti e la lode, malgrado si eccepisse, da parte della commissione, che l'attribuzione della lode fosse una prerogativa riservata ai Conservatori statali.

“Ora siamo colleghi!” mi disse scherzosamente, dopo avermi comunicato la votazione. Da allora Eriberto Scarlino mi fu particolarmente vicino nei pochi anni prima della sua prematura scomparsa, avvenuta nel dicembre 1962. Se colleghi non siamo diventati, al “Cherubini” di Firenze, nondimeno questo rapporto può essere stato, al momento delle scelte definitive, una delle oscure motivazioni che mi determinarono a trasferirmi nella città dove risiedo tutt'ora.

Che cosa pensa della situazione odierna delle varie istituzioni musicali fiorentine (Conservatori, Teatro del Maggio, Orchestra regionale toscana ecc.) rapportata alla situazione che trovò al suo arrivo a Firenze?

Nel 1971 il Conservatorio aveva ancora un numero limitato di allievi e di docenti. I contatti tra i docenti erano improntati al vecchio stile della convivialità: dovere dei nuovi arrivati era quello di prodursi, prima o poi, in un concerto pubblico che io feci, non mi ricordo più la data esatta. La società era denominata “Alfa '62”. Presidente ne era il Prof. Dino Pieraccioni, insigne grecista. La critica di Vincenzo Saldarelli fu abbastanza benevola. Le manifestazioni del Conservatorio erano denominate “saggi finali”, a conclusione dell'anno accademico, di numero assai limitato e destinate agli allievi dotati in maniera particolare. Non mancavo di frequentare assiduamente i concerti e le rappresentazioni teatrali che si tenevano al Teatro del Maggio Musicale Fiorentino. La produzione era limitata, per quanto riguarda le repliche (pochissime), pur essendo rilevante l'affluenza del pubblico. Un particolare importante: era abbastanza raro che nei concerti non venissero rappresentate opere di autori italiani, in particolare fiorentini, come Carlo Prosperi, Valentino Bucchi, Gaetano Giani Luporini, Ugalberto de Angelis ed altri, spesso in prima esecuzione. Questa tradizione si sfaldò sul finire degli anni Settanta, probabilmente perché il teatro rinunciò ad una certa indipendenza nelle scelte artistiche, preferendo la subordinazione alle esigenze del mercato internazionale. Di recente, intervistato da «La Nazione» a proposito del cartellone del Maggio per la stagione 2002/03 ho avuto modo di esprimere le mie perplessità a proposito.

L'Orchestra Regionale non c'era ancora: avrebbe preso il posto, più tardi, dell'AIDEM, istituzione che svolse per tanti anni la benemerita produzione di musica contemporanea, «d'avanguardia», che si svolgeva nei luoghi più svariati con notevole affluenza di pubblico, soprattutto giovanile, con intenti spesso provocatori verso la “fossilizzazione” della tradizione. Non mi dimenticherò mai una di queste manifestazioni tenute da Giancarlo Cardini e Giuliano Zosi (che si adoperarono, fra l'altro, a sciogliere i lacci delle scarpe a tutti gli spettatori) nel corso della quale chi assisteva, pur morbosamente attratto dalla novità e dall'originalità di certe esecuzioni, era, talvolta, nell'impossibilità di trattenere le più matte risate.

A quell'epoca la città assumeva spesso tratti fiabeschi e viverci era una delizia. Si poteva tranquillamente parcheggiare in Via Cerretani o in Lungarno Torrigiani oppure, con un po' di audacia, anche in Piazza delle Belle Arti. Sulle vie del centro storico si affacciavano le innumerevoli librerie, i tanti negozi e i fondi degli artigiani, ognuno dei quali espertissimo nel suo campo (il corniciaio, il bronzista, il riparatore di bambole d'epoca...).

Oggi primeggiano pizzerie, fast-foods e paninoteche. Di viabilità sarebbe meglio non parlarne più, dato che in una recente occasione, che mi auguro rimanga unica, per andare da Scandicci al Conservatorio con mezzo pubblico, ho impiegato addirittura un'ora e trenta minuti. Inevitabile la constatazione che da allora sono passati più di trent'anni. In questo periodo il Conservatorio, dopo un periodo di sbandamento sul finire degli anni Settanta e i primi del decennio seguente, causato anche dall'atteggiamento sfavorevole tenuto in sede nazionale da forze sindacali e politiche ostili per preconcetto alle scuole statali di musica, se non alla musica in generale, intesa come un fatto culturale negativo, ha risalito orgogliosamente la china, ribadendo con fermezza in sede cittadina, provinciale e regionale il suo ruolo fondamentale di essenziale punto di riferimento della cultura musicale, essendo fra l'altro l'unico Conservatorio statale di musica della Toscana. Nel 1996 mi fu affidata la direzione del “Cherubini”, che ho esercitato fino ad oggi, salvo un periodo di pochi mesi, nel 1998, quando il precedente direttore, Giuseppe Giglio, fu reintegrato nelle sue funzioni. Fin da allora il mio intento è stato quello di integrare l'attività didattica con la produzione artistica, proseguendo, in silenzio ma con tenacia, l'obiettivo di fare in modo che il Conservatorio fosse presente dappertutto, in ogni parte del territorio e in ogni occasione, nessuna esclusa a priori in modo da arginare la concorrenza, spesso sleale delle scuole private. Fra le varie iniziative si possono ricordare le “Manifestazioni musicali di primavera” che hanno preso il posto dei tradizionali saggi finali, i concerti de “I Lunedì del Conservatorio”, le lezioni concerto per le scuole e nelle scuole, il concerto per l'inaugurazione del Museo degli strumenti musicali, i concerti all'aperto nel Loggiato degli Uffizi e al Forte Belvedere e tantissime altre manifestazioni, che hanno fatto in modo che il conservatorio fosse presente quasi quotidianamente nella vita artistica della città, talvolta in luoghi diversi e contemporaneamente, con più di una produzione. Nel 1997 è iniziata l'attività di coproduzione con il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, per l'allestimento e la messinscena di piccole opere teatrali, del repertorio per cosiddetto del «teatro da camera». In seguito il Conservatorio ha collaborato anche con l'Orchestra Regionale Toscana, con l'Estate Fiesolana, con i Quartieri di Firenze, con il Lyceum. Ultimamente, un'apposita convenzione, ha provveduto a consolidare i rapporti fra la nostra scuola e l'Università (Facoltà di Lettere – Dipartimento dello Spettacolo). È in atto, ormai da cinque anni, a seguito di una convenzione fra Conservatorio, Provveditorato agli Studi e Comune di Bagno a Ripoli, una sperimentazione, unica in Italia, promossa per avviare lo studio della musica e degli strumenti musicali nella scuola elementare. Nel 2001, la storica biblioteca, dopo decenni di clausura, ha riaperto finalmente i battenti agli studiosi, italiani e stranieri. Sempre nel 2001, dopo svariate peripezie, è stato inaugurato, presso la galleria del David, il Museo degli strumenti musicali del Cherubini. Presto, dopo lunghi anni di attesa, ci sarà consegnata la nuova sede distaccata, la prestigiosa Villa Favard.

Quali sono le sue previsioni sulla musica in Firenze e in Toscana e, in particolare, sul futuro del Conservatorio “L. Cherubini”?

Il 31 ottobre di questo anno 2003 andrò in quiescenza per sopraggiunti limiti di età (ahimè!) dopo quarant'anni di servizio e dieci mesi. Le previsioni le lascerei al lento fluire della storia, che comunque prosegue, anche se ogni tanto qualcuno lascia la scena (nessuno è insostituibile): mi auguro soltanto che, come succede spesso in queste occasioni, non si voglia, secondo il costume italiano, sfasciare il tutto e ricominciare da capo, alla ricerca di un'irrecuperabile “infanzia del mondo” o di palingenesi del tutto improbabili. Di novità, in questi ultimi anni, c'è stata la legge di riforma, che ha equiparato i corsi di studio del Conservatorio a quelli di livello universitario, con conseguente rilascio, al termine dell'iter accademico dei titoli di studio (diploma accademico e specializzazione) equiparati, ad ogni effetto, alla laurea. Il 21 dicembre 1999, data di promulgazione della legge n.508, può essere considerata una data importante della storia della cultura italiana: la musica ha ottenuto il riconoscimento del suo ruolo fondamentale nella formazione del cittadino, entrando a far parte, a parità di diritti con le altre materie cosiddette “curriculari”, dei piani di studio degli allievi delle scuole di ogni ordine e di grado. Tutto questo, naturalmente, avverrà quando sarà realizzato il riordino degli studi musicali a livello pre-universitario: ciò significa che, per un periodo di tempo abbastanza lungo, il Conservatorio, che deve oggi provvedere alla formazione necessaria per accedere ai corsi di livello universitario, oltre a istituire le necessarie strutture di questi corsi, dovrà sostenere un ruolo fondamentale nell'organizzazione delle sezioni ad indirizzo musicale nella scuola primaria e secondaria. Premetto che sarà un compito gravoso e spesso poco gratificante, che richiederà tanto impegno e buona volontà. Ho fiducia nei più giovani di me e spero che sapranno spendere bene le loro energie.

«Avevamo i capelli neri quando siamo partiti per la guerra: oggi i capelli sono bianchi e la guerra non è ancora finita!». Cito a memoria il testo di una antica poesia cinese, che mi ha colpito in maniera particolare tanto tempo fa. In apertura di un'intervista ho dichiarato che, quando giunsi a Firenze, avevo una folta capigliatura nera. A conclusione di tutto, debbo constatare che oggi è bianca, fra l'altro già da un pezzo, ed è rimasta abbastanza folta (ma questo non è certamente un titolo di merito).

Penso di avere gareggiato abbastanza.

È giunto il momento di cedere il mio ruolo ai più giovani, augurando loro che possano, con tenace determinazione e non senza spirito di sacrificio, adoperarsi nel migliore dei modi per la promozione e la valorizzazione della cultura musicale e per il prestigio del nostro Conservatorio. Grazie.

[M.C.]

Forme d’amore (Florence Art Edizioni)

Scelte

Sofistico e penetrante

l'amore può farsi,

ansia del piacere e della felicità

dell'altro.

Uno dei due non saprà mai

se l'altro

veramente gli appartenga

e non cesserà di soffrire.

Nessuno dei due offende

ma uno dei due ha scelto.

Cara Anna, in questa mattinata finalmente un po' oziosa mi sono letto il primo fascicolo dei tuoi versi. L'incombenza suscita sempre un po' d'ansia quando è richiesto, pur amabilmente, di giudicare; E più passa il tempo più cerco di eludere questa disposizione, non solo riguardo agli scritti altrui. Ma le tue poesie sono belle, cara Anna, e lo dico senza riserve. Aderisci con semplicità a quelle fondamentali impressioni della memoria che fanno l'identità di una persona. Con parole comuni e colme di significato sincero, ti fai testimone senza narcisismi di una minuscola Spoon River chiantigiana da cui tornano, a sprazzi, voci, luoghi, figure, gesti, persone. Continui e fai tua quella preghiera laica che recitava tuo padre, come un esercizio spirituale per trattenere, insieme al ricordo dei cari che non ci sono più, un proprio infinitesimo segno nelle vicende degli uomini. Per quel poco che ti conosco c'è già nella tua stessa persona un tratto di donna antica, antropologicamente antica. Non mi stupisce che Luigi Baldacci avesse simpatia per te. Credo di capire intimamente il sentimento da cui vengono questi versi; anch'io ho vissuto in un piccolo borgo, partecipe di una comunità dove ancora persisteva il mondo contadino, e o l'età per incarnare il sedimento di tutti questi ricordi, che mi pare straziante pensare vadano persi con me. Tu, hai fatto benissimo a scriverli, e continua a farlo.

Franco Zabagli

Firenze, 3 luglio 2012

Paesaggio Condominiale (Florence Art Edizioni)

Paesaggio condominiale

Oltre il balcone

Il pino marittimo in burrasca

Lancia segnali.

Travolto legno

In mare sconvolgente

per folle nocchiero

ha il fiato di Monte Morello.

Il telo del quarto piano

e la selva degli aghi

ricuciono lesti la quiete.

Dipana l'azzurro

appena sbiancato

da orme fuggitive di tempesta.

Nel fuoco vivo dell’amore (Florence Art Edizioni)

Gesù

Ti accolgan queste braccia, madre mia,

nel tuo passare dalla terra al cielo…

Per una volta lascia che sia io…

Adagiati serena in un istante

davvero prodigioso e mio e tuo

sospeso tra il finito e l’infinito,

in un leggero sonno che è di vita

e non di morte, in un abbraccio estremo

di amore dolce... e di riconoscenza.

L'abbazia di Settimo ad un primo sguardo ha una forte similitudine con le strutture fortificate, con i castelli. E', anche sotto questo aspetto, un edificio unico. Le possenti strutture difensive, ben visibili nel fianco orientale, sono delimitate da fossati e attraversate da ponti levatoi. Un edificio religioso, dunque, che sembra sommare e concretizzare nella pietra due tra le principali Virtù: la Fede e la Fortezza.

Questa impressione è dovuta principalmente all'intervento, commissionato negli anni '70 del XIV secolo, che previde la costruzione di tutte le difese necessarie al monastero: nuove mura, una gigantesca torre, caditoie, l'ultimo livello del campanile, un profondo fossato a delimitarne i confini; il tutto caratterizzato da uno stile che ritroviamo nella Rocca Strozzi di Campi Bisenzio e nelle mura di Lastra a Signa (1377-1378). Il poderoso investimento fu finanziato per metà dall'abbazia stessa – che nominò i due monaci Cambino Cambini e Tommaso di Bortolo Sorbi alla sovrintendenza dei lavori – e per metà addirittura dalla Repubblica Fiorentina. Siamo nel 1370. Questa notizia è assai significativa: l'intervento della Repubblica dimostra che vi era un interesse, oltre che religioso, anche pubblico nei confronti di Settimo. Un patrimonio di fede e civico da difendere. Non a caso, proprio nel XIV secolo, l'abbazia era custode dei sigilli della Repubblica Fiorentina, dei simboli del Marzocco Fiorentino, e alcuni suoi monaci erano stati nominati per amministrare le casse della città. Sullo sfondo del celebre affresco della Conferma della Regola di Domenico Ghirlandaio nella cappella Sassetti di Santa Trinita, appare un'immagine del Palazzo della Signoria dalla cui finestra si affaccia un monaco cistercense: era certamente un monaco della badia, a dimostrazione che anche nel '400 i Cistercensi di Settimo avevano un fortissimo rapporto con la Repubblica e ne contribuivano al corretto governo delle finanze. Ma il XIV secolo fu anche un periodo di forte instabilità; ulteriore ragione per fortificare il monastero: le scorrerie di Castruccio Castracani, le costanti tensioni tra Firenze e Pisa, la guerra degli Otto Santi contro lo Stato Pontificio.

Sul versante opposto del campanile, sorgeva uno degli elementi più qualificanti di queste fortificazioni, una torre poderosa che spiccava su tutta la piana: venne chiamata poi popolarmente il "Colombaione", perché dopo la soppressione del monastero nel 1783 fu utilizzata come piccionaia. La ciclopica struttura sbarrava l'ingresso a Settimo, con una modalità non troppo dissimile ad altri cenobi cistercensi come Fossanova e Casamari. Sopra il portale di accesso vi era una grande lapide – oggi conservata nel chiostro maggiore – coronata da un giglio fiorentino finemente scolpito a ricordo dell'investimento di ben 2.200 fiorini da parte della Repubblica. Vi era inoltre un'altra lapide, ancora oggi presente sulla base del Colombaione, che ricorda l'arrivo dei Cistercensi nel 1236 per volere di papa Gregorio IX. Sulla sua parete campeggiava un grande stucco, alto quasi sei metri, di scuola gotica francese della seconda metà del XIV secolo. La probabile manifattura borgognona del manufatto dimostra ulteriormente gli orizzonti internazionali del monastero. Era una scultura raffinatissima, monumentale e cuspidata: al centro vi era raffigurato Cristo in gloria affiancato da San Benedetto (fondatore del monachesimo occidentale) e San Bernardo da Chiaravalle (santo principale dei Cistercensi).

Putroppo oggi il Colombaione non esiste più, eccezion fatta per la sua base: nel 1944 fu drammaticamente demolito dalle mine dei tedeschi in ritirata, al pari della torre campanaria. Mentre il campanile fu prontamente ricostruito rispettandone le forme originarie, il Colombaione non suscitò il medesimo interesse e purtroppo rimase impresso solo nella memoria collettiva.

Ma la speranza è l'ultima a morire. Una testimonianza del soprintendente Ugo Procacci dimostrerebbe che i frammenti della scultura furono in realtà prontamente raccolti e custoditi miracolosamente dentro una cassa tutt'oggi conservata nei depositi della Soprintendenza. Una ricerca dunque complicata e priva di ulteriori riferimenti, ma preziosa e meritevole di essere perseguita. Restituire a Settimo una scultura così importante, data fino ad oggi quasi per spacciata, significherebbe donare al monastero e alla nostra collettività una speranza. La speranza che questo monastero torni finalmente unito e fruibile, ricucendo finalmente quella pesante ferita che l'abbazia si trascina dalla soppressione del 1783.

La storia dell’associazione ha origini lontane che risalgono a più di 140 anni fa. Il materiale a nostra disposizione purtroppo non è moltissimo: gran parte fu danneggiato nell’alluvione di Firenze del 1966. Dalle informazioni in nostro possesso, grazie anche al lavoro di ricerca di alcuni studiosi negli archivi storici del Comune, possiamo collocare la costituzione della Filarmonica al maggio del 1869 per mano di 42 scandiccesi appassionati di Musica. Al 1882 risale la costituzione della “Filarmonica di Scandicci” nel territorio di Casellina e Torri. Nel 1900 la “Filarmonica di Scandicci” assunse il nome di "Giuseppe Verdi". Nel 1910, per motivi ideologici, la banda si scisse in due sezioni, la seconda delle quali prese il nome di "Guido Monaco". Queste due bande svolsero attività disgiunte fino all'avvento del fascismo, quando furono obbligate a fondere il loro organico ed a riunirsi come "Banda Comunale", banda che durò fino al termine della guerra. Dopo la liberazione fu ricostituita la banda e adottato il nome, che ancora oggi mantiene, di "Vincenzo Bellini" e col quale si intendevano dimenticare le incomprensioni ideologiche che avevano portato ad una disunità tra coloro che volevano fare musica a Scandicci. Una svolta fondamentale si ebbe nel 1972, quando il Comune di Scandicci concesse alla Filarmonica l'uso di una vecchia casa colonica ubicata nel centro di Scandicci in via S. Bartolo in Tuto - la "Casa Bellocci" - che offrì alla banda una sua sede, permettendo quindi un organico stabile ed un proprio maestro e consentendo soprattutto di iniziare a svolgere, parallelamente alla consueta attività bandistica, anche una attività didattica. La Banda era allora diretta dal M° Faliero Falai. Nel 1980 la Banda cambia Maestro e viene diretta dal M° Pierluigi Puzzolo. Nel 1985 la Banda sposta la sua sede nei locali dell’ex Farmaceutico e nello stesso anno viene indetto il I Concorso Bandistico, uno dei primi nel suo genere in Italia, che diventerà poi uno dei Concorsi Bandistici Nazionali più apprezzati.

La crescita della Banda sia qualitativa che quantitativa fa sì che venga costituito nel 1981 la prima Big Band in Toscana, poi negli anni successivi emulata da tante altre associazioni, diretta dal M° Tolmino Marianini. Nel 1992 la direzione della Banda viene prese stabilmente dal M° Luigi Giordano, già primo clarinetto e Vice Maestro della stessa. Nel settembre del 2004 la Banda ritorna nella sua “vecchia sede”: la “Casa Bellocci”. Nel 2008 inizia una collaborazione con il Conservatorio Musicale “Luigi Cherubini” di Firenze con la partecipazione all’esame di Laurea del M° Luca Marino, nostro percussionista, con l’esecuzione di alcuni brani per Marimba e Banda, Tamburo e Banda, Vibrafono e Banda ed all’esame di Laurea del M° Loredana Calò in Strumentazione per Banda. Nel 2011 il Direttore del Conservatorio, Prof. Paolo Biordi, concorda con la Filarmonica una collaborazione per il Corso di Direzione e d’Orchestra di Fiati che ha previsto lo svolgimento di sei prove-lezioni con gli allievi del corso sotto la guida del M° Graziosi e di un Concerto finale nella Sala del Buonumore. La Filarmonica ha una propria Scuola di Musica. Sono attivi corsi di Flauto, Clarinetto, Sassofono, Tromba, Trombone, Percussioni e Pianoforte. All’inizio del 2012 è stato istituito il Dipartimento di Musicoterapia per dare uno spazio musicale e di ascolto a bambini con difficoltà cognitive e/o relazionali. Il laboratorio di Musicoterapia è tenuto in collaborazione con la neuropsichiatria infantile e i servizi sociali del Comune.

Dal 2011 la Filarmonica “Vincenzo Bellini” con l’Istituto Comprensivo “Vasco Pratolini” di Scandicci e, in collaborazione con l’Assessorato della Pubblica Istruzione del Comune di Scandicci, USR-Ufficio Scolastico Regionale Toscana e Regione Toscana organizza il Concorso Internazionale Musicale “Città di Scandicci” al fine di fornire agli studenti di musica delle scuole primarie, medie superiori di primo e secondo grado e giovani talenti, un’importante occasione di crescita dal punto di vista musicale e di repertorio attraverso il confronto con giovani musicisti appartenenti ad altre realtà. Premiare e valorizzare l’impegno e lo studio della musica e dello strumento musicale nella scuola e valorizzare il ruolo formativo delle scuole medie ad indirizzo musicale ed ai licei musicali.

Nell’aprile del 2013 la Filarmonica ha organizzato un WORKSHOP PER MAESTRI DIRETTORI con il compositore Jacob De Haan e nel maggio del 2016 un Workshop per Maestri Direttori con il Maestro J. Warren Casey

www.filarmonicabellini.com

“Vita meravigliosa” è l’autobiografia spiritosa e rapida di una grande e versatile cantante, di una regina della musica del Novecento: la fiorentina Liliana Poli, nota per la sua tecnica vocale perfetta unita a una profonda preparazione musicale, che si è trovata ad essere interprete e collaboratrice di grandissimi maestri quali Maderna, Bussotti, Nono, Berio, Dallapiccola, Ligeti, Boulez. Le agili pagine, ricche di rare e pungenti illustrazioni, ripercorrono le vicende di questa artista che, formatasi nel repertorio operistico tradizionale, presto se ne “stancò” per abbracciare la musica contemporanea, in cui presto si affermò come prima donna assoluta. E ricordano i grandi con i quali Liliana ha cantato: dal mentore Vittorio Gui a Bartoletti, da Karajan a Rodzinski, da Gavazzeni a Chailly: tutta la musica del XX secolo scorre davanti ai nostri occhi grazie a una memoria vigile, affettuosa e sorridente.

Si è aperta Sabato sera presso la Salablù della Biblioteca Comunale di Signa la stagione teatrale “Blù di sera” promossa dal Comune di Signa in collaborazione con “La Compagnia dei Nove ONLUS” e con il supporto delle associazioni “Centro per l’arte Vito Frazzi" e “In-Polis”.

Lo spettacolo “Il Malato Immaginario” di Moliere, ha dato il via a questa manifestazione che si è aperta nel segno dei giovani, gran parte del pubblico si attestava sotto i trent’anni e sotto i trent’anni si attestava anche la quasi totalità della compagnia teatrale, composta in gran parte dagli allievi e dalle allieve dei corsi teatrali della Compagnia dei Nove ONLUS.

La serata è stata introdotta dalle parole dell’assessore Giampiero Fossi che ha voluto sottolineare come manifestazioni del genere, e con questa risposta di pubblico, siano il sintomo di un bisogno di cultura, una cultura che da tempo nella Salablù copre ogni aspetto, dalla Musica al Teatro, dalla letteratura al Cinema. L’immagine che l’assessore ha usato è stata quella di una ruota che, girando, include tutte le arti e chi le persegue alternandosi e creando uno spazio capace di parlare tanti linguaggi di qualità. Fossi ha concluso il suo discorso introduttivo puntando il dito sul bisogno che Signa ha di avere un teatro in grado di ospitare, con spazi adeguati, le manifestazioni di maggior richiamo che al momento vengono contenute a fatica alla Salablù. Ringraziando Marco Guglielminetti, presidente e regista della Compagnia dei Nove ONLUS, e Vincenzo Zappia, direttore artistico del Centro per l’arte Vito Frazzi, per la passione e per la qualità del lavoro svolto nella produzione dell’evento.

Parole che invitano al rafforzamento e all’inclusione all’interno del progetto di una stagione teatrale sono state spese anche da Vincenzo Zappia che ha sottolineato come l’unione faccia la forza e che le cose di qualità si possano fare insieme e rinnovando l’invito ad altre realtà di unirsi al progetto di una più lunga stagione teatrale per i tempi futuri.

Infine ha parlato il regista Marco Guglielminetti ideatore della stagione teatrale, ringraziando l’assessore Giampiero Fossi e Vincenzo Zappia per la preziosa collaborazione e per l’affettuoso supporto, augurandosi che quello di sabato sia stato il primo passo di un lungo e proficuo viaggio.

Il regista ha poi introdotto la stagione teatrale descrivendo il “fil rouge” che lega i 4 spettacoli in cartellone: gli spettacoli sono stati scelti in quanto legati alle piccole follie, piccole follie che ci accompagnano nel nostro quotidiano.

Il signor Argante, protagonista del Malato Immaginario, e la sua ipocondria hanno dato vita alla prima piccola follia. Prossimo appuntamento Sabato 25 Marzo ore 21:00 con lo spettacolo “Delitti Esemplari” una produzione ancora della Compagnia dei Nove ONLUS per la regia di Marco Guglielminetti.

All'interno della Badia di Settimo sono molte le testimonianze, dirette ed indirette, della presenza di Domenico Ghirlandaio, tra i massimi esponenti della pittura rinascimentale fiorentina e capostipite di una delle botteghe più prolifiche del tempo. Fu anche artista tra i prediletti dai Medici, e in particolare da Lorenzo il Magnifico, che lo inviò nel 1481 ad affrescare la Cappella Sistina a Roma. Numerosissime furono le committenze che ricevette nella sua città natale, con capolavori immortali come i cicli di affreschi nella Cappella Sassetti in Santa Trinita del 1485 e nella Cappella Tornabuoni a Santa Maria Novella, realizzato tra il 1485 e il 1490. La sua famiglia, che comprendeva anche il figlio - ovvero Ridolfo del Ghirlandaio, anch'egli pittore - risiedeva nella villa di Colleramole, attualmente in comune di Impruneta ma storicamente appartente al piviere di Sant'Alessandro a Giogoli. Nella sua bottega pare si sia formato anche un giovanissimo Michelangelo Buonarroti, che ricevette dal Maestro gli insegnamenti necessari ad affrontare la difficile arte dell'affesco, sperimentata poi nella celebre volta della Cappella Sistina (1508 - 1512).

L'abate di Settimo nel 1487 commissionò al Ghirlandaio la realizzazione di un ciclo di affreschi per l'abside maggiore della chiesa; ciclo di cui oggi rimangono soltanto i due oculi raffiguranti la “Madonna Annunciata” (foto 1) e “l’Angelo Annunciante” (foto 2), la cui eccelsa qualità dimostra che in questo caso si è in presenza della diretta mano del Maestro. Del resto è ancora oggi custodito il contratto stipulato tra le parti, con il pagamento fissato a 50 scudi d'oro e la possibilità per il Ghirlandaio di "grattare" il prezioso lapislazzulo dalla vicina cappella di San Jacopo, dipinta dal Buffalmacco nel 1315, per riutilizzarlo nella sua nuova opera.

Quale fine abbia fatto il resto degli affreschi commissionati rimane oggi un mistero. E, con ogni probabilità, tale ciclo non fu mai completato.

Nella sagrestia campeggiano tre opere pittoriche di grande rilievo artistico, tutte riconducibili agli anni '80 del Quattrocento. Appena superato l'ingresso troviamo una "Deposizione dalla Croce" di Francesco Botticini (foto 3), artista di epoca ghirlandaiesca, discepolo di Neri di Bicci e con forti assonanze con lo stile del Pollaiolo e di Andrea del Castagno. Sulla destra una "Deposizione nel Sepolcro" della bottega del Ghirlandaio. Dalla stessa bottega proviene l' "Adorazione dei Magi con San Benedetto", issato sulla parete sinistra (foto 4). I tre Re Magi vengono descritti con tre età nettamente diversificate: il giovane, in piedi, ha un atteggiamento quasi svagato dinanzi alla Sacra Famiglia; il Magio di mezza età è invece rispettosamente genuflesso; infine, il personaggio più anziano si avvicina con profonda fede e passione al Bambino. Il quadro diventa quindi la metafora delle tre età della vita, con tre livelli di consapevolezza e tre atteggiamenti ben diversi nei confronti della fede. Il tutto è immerso in un'atmosfera quasi fiamminga. In effetti, molti artisti dell'epoca sentirono un forte ascendente nei confronti dell'arte delle Fiandre, come dimostra l'ammirazione che suscitò a Firenze il "Trittico Portinari" di Hugo van der Goes (foto 5), databile al 1477, quadro che ispirò anche lo stesso Ghirlandaio nella sua "Adorazione dei pastori" del 1485 (foto 6).

La purezza e la semplicità della forma, il movimento di rotazione della linea curva nello spazio che crea le superfici e la decorazione sono gli elementi base della ricerca dello scultore Stefano Martini.

Il dinamismo creatosi ha una forza centripeta, racchiusa in sé, è una scultura da toccare, accarezzare, una curva inesplorata di eventualità.

Il rapporto tra architettura (le forme dell'abitare e l' urbanizzazione) e scultura è al centro dell’attenzione di Martini, in modi diversi; egli ricerca una nuova estetica da usare anche in architettura; forse utopica, ma che dovrebbe stimolare una riflessione circa l'arte di costruire.

La ricerca si basa in origine sullo studio delle forme che nascono dalla rotazione delle parabole: i paraboloidi e si confronta con le forme  della natura nella loro semplice imprevedibilità, ed è caratterizzato dalla decorazione, elemento ormai dimenticato.

Leonardo Colicigno Tarquini

Parisio Ristori è artista attivo ed energico. È nato e si è formato a Firenze, e, precisamente, in quella zona dell'ambiente artistico, che è la meno appariscente, ma dove è ancora possibile trovare ampi esempi della severa, antica morale dell'arte, intendo l'ambiente della grafica dove primeggia ancora quel disegno che fu la gloria dell'arte toscana nei secoli d'oro. Roberto Longhi non avvertì che "nel nostro secolo l'arte figurativa è molto più sotto il segno della grafica che del colore"? E Ristori è uno dei maggiori campioni di questa grafica toscana. Negli ultimi decenni i suoi lavori (perfezione classica e energica vibrazione moderna) sono stati presenti in moltissime mostre e altamente giudicati. Ha avuto influenza anche come maestro, sia nel senso normale (tenendo corsi) sia per la rete di vaste relazioni di incisori che frequentano il suo studio e si avvalgono di lui come consigliere e come stampatore.

Vittoria Corti

In queste piccole stampe si rivela dotato di una sensibilità poetica oggi davvero rara... sa dire quelle umili verità che pur esistono ma che molti non vedono, con grande castigatezza di mezzi: le spiagge solitarie, invernali, le alghe, gli sterpi delle dune, le conchiglie, i piccoli relitti che lascia il mare.

Renzo Biason

Coi mezzi semplici, ma affinatissirmi dell'incisione, sa cogliere le punte stecchite delle piante litoranee, o le forme corrose e degradate di conchiglie e di gusci vuoti che il mare ha ributtato a spiaggia, o i fusti secchi, contorti di alberi con poche foglie, o assi e pali di baracche sconnesse dal libeccio che ha infuriato. Le cose povere che popolano, rade, quella immensa pianura quando resta sola, senza bagnanti.

Luisa Becherucci

Tutto un mondo semplice, umile, che forse pochissimi sanno guardare e capire, ma che l'artista sa rilevare con il suo segno libero, limpido, pulito, espressivo, sottile, inciso e evocatore...

Almina Dotati Fusi

Le incisioni di Ristori, di una perfetta finezza tecnica, accuratamente disegnate, concentrano nelle immagini un'ammirabile densità di sentimento, proprio per la purezza e la semplicità dei mezzi d'espressione.

Marcel Chirnoaga

Parisio Ristori è artista attivo ed energico. È nato e si è formato a Firenze, e, precisamente, in quella zona dell'ambiente artistico, che è la meno appariscente, ma dove è ancora possibile trovare ampi esempi della severa, antica morale dell'arte, intendo l'ambiente della grafica dove primeggia ancora quel disegno che fu la gloria dell'arte toscana nei secoli d'oro. Roberto Longhi non avvertì che "nel nostro secolo l'arte figurativa è molto più sotto il segno della grafica che del colore"? E Ristori è uno dei maggiori campioni di questa grafica toscana. Negli ultimi decenni i suoi lavori (perfezione classica e energica vibrazione moderna) sono stati presenti in moltissime mostre e altamente giudicati. Ha avuto influenza anche come maestro, sia nel senso normale (tenendo corsi) sia per la rete di vaste relazioni di incisori che frequentano il suo studio e si avvalgono di lui come consigliere e come stampatore.

Vittoria Corti

In queste piccole stampe si rivela dotato di una sensibilità poetica oggi davvero rara... sa dire quelle umili verità che pur esistono ma che molti non vedono, con grande castigatezza di mezzi: le spiagge solitarie, invernali, le alghe, gli sterpi delle dune, le conchiglie, i piccoli relitti che lascia il mare.

Renzo Biason

Coi mezzi semplici, ma affinatissimi dell'incisione, sa cogliere le punte stecchite delle piante litoranee, o le forme corrose e degradate di conchiglie e di gusci vuoti che il mare ha ributtato a spiaggia, o i fusti secchi, contorti di alberi con poche foglie, o assi e pali di baracche sconnesse dal libeccio che ha infuriato. Le cose povere che popolano, rade, quella immensa pianura quando resta sola, senza bagnanti.

Luisa Becherucci

Tutto un mondo semplice, umile, che forse pochissimi sanno guardare e capire, ma che l'artista sa rilevare con il suo segno libero, limpido, pulito, espressivo, sottile, inciso e evocatore...

Almina Dotati Fusi

Le incisioni di Ristori, di una perfetta finezza tecnica, accuratamente disegnate, concentrano nelle immagini un'ammirabile densità di sentimento, proprio per la purezza e la semplicità dei mezzi d'espressione.

Marcel Chirnoaga

Dagli sfondi abissali monocromatici blu dei dipinti di Alessio Bandini, emergono, trascinate dalla corrente, come le anime dei lussuriosi di dantesca memoria, dei bellissimi corpi bianchi , privi d’ogni contatto con la materia. Si tratta di soggetti classici, la rappresentazione della Oceanine, le mitiche figlie del titano Oceano ed altre figure mitologiche dai destini alterni.

Queste anime, librate fuori dalla gravità e dalla materia, assumono una bellezza ideale, ispirate dalle figure di Wiliam Blake.

L’artista ha impiegato la classica tecnica dell’olio su tela prevalentemente di formato quadrato, di piccole e grandi dimensioni. Nell’enorme dipinto di “Doride” (120 x 100 cm), il riflesso della ninfa sfuma lentamente nell’immenso blu della tela, come nel triste epilogo della favola della Sirenetta diventa parte del mare; mentre in “Elettra” (di più piccolo formato), il vortice causato dal tuffo verso l’ignoto è reso con uno straordinario realismo.

La parte immortale dell’uomo, tuttavia, viene inghiottita in un’eternità oscura, triste, lontana da quella originaria perfezione dalla quale noi discendiamo e che abbiamo perduto. Il colore dai forti tratti espressionisti immerge la figura in un’atmosfera d’angoscia e di paura.

I dipinti mostrano una visione bifronte quindi: l’esaltazione di sé, quella superbia che ha spinto sia Icaro, che gli angeli ribelli, ad eguagliarsi con entità assolute, precipitando però nella rovina, nella dissoluzione e nella morte, che è anch’essa fonte di bellezza e di mistero da tempi remoti.

Questa visione governa la percezione della realtà odierna nelle sue rappresentazioni, il tutto descritto come un affascinante volo di “angeliche farfalle” dall’aspetto umano.

Leonardo Colicigno Tarquini

Centro dell’Arte Vito Frazzi in collaborazione con LA COMPAGNIA DEI NOVE e Associazione Politico/culturale IN-POLIS

Regia: Marco Guglielmetti

Scenografia: Giuseppe Silvestri, Simona Perruzza

Costumi: Claudia Stefani Migliorato

Attore: Elena Pierattini, Francesca Zagni, Linda Stella Diana Gala, Marco Guglielmetti, Sonia Galli, Giulia Costanza, Antonello Antelmi, Valentina Santoro

Fotografo: Andrea Mandolesi

La cripta di Settimo è, come frequentemente accade, il cuore più antico della chiesa abbaziale. Una struttura composta da tre vani, di cui quello centrale è a sua volta suddiviso in tre piccole navate grazie alla presenza di quattro colonne. L'apparente rozzezza e semplicità dei rilievi scultorei dei capitelli che spesso riscontriamo in questa tipologia di cripte – definite "ad oratorio" – hanno indotto alcuni storici dell'arte a retrodatare eccessivamente – all'epoca addirittura longobarda – la costruzione di tali locali, mentre sono tutti da collocare, Settimo inclusa, all'XI secolo. Nel caso della nostra Badia, la cripta può essere datata agli anni '20-'30 dell'XI secolo, se rapportata ad altri esempi toscani di cui conosciamo la data di consacrazione: la cattedrale di San Romolo a Fiesole (con cripta del 1028), l'abbazia di San Godenzo (1029), di Elmi (1034), di San Salvatore sull'Amiata (1036). Le quattro colonne presenti alla Badia a Settimo sono coronate da capitelli decorati da borchiette rotondeggianti e "alette"; in origine esse erano intonacate e dipinte a finto marmo, come dimostra il frammento della prima colonna di sinistra.

Tale tipologia trae ispirazione, a proposito di orizzonti internazionali di Settimo, da un'architettura lontana, sia sotto il profilo geografico che religioso: quella islamica, con particolare riferimento alla Spagna dei tempi del Califfato. Se prendiamo come punto di riferimento la moschea di Toledo, oggi chiesa di Cristo de la Luz, edificata nel X secolo, le somiglianze sono davvero impressionanti: una foresta di piccole colonnette che scandiscono fittamente lo spazio, con corredi scultorei semplici e geometrici. Le nicchie che scandiscono tutto il corso delle pareti, trovano elemento di relazione con con edifici sacri tedeschi, come a Ratisbona, Werden e Helmstedt.

A Badia a Settimo l'ambiente è reso ancor più magico dalla presenza di alcuni fori sulle volte con profondità variabile tra i 28 e i 30 centimetri. La funzione di questi elementi non è utile né per la statica, né per l'areazione. Sono fori acustici collocati in maniera tutt'altro che casuale al cui interno furono inserite delle anfore rivolte a testa all'ingiù e che consentono una perfetta propagazione del suono e del canto, senza traccia di rimbombo. Questa antica sapienza la ritroviamo in Francia nella chiesa di San Benigno a Digione, nella cattedrale di Amiens, nell'abbazia di Vezelay e a Cluny.

Il respiro europeo dell'abbazia di Settimo è sancito, prima ancora che dalle testimonianze artistiche ed architettoniche, da un documento del 998. Tale pergamena, conservata all'Archivio di Stato di Firenze, pur non citando ancora l'edificio come monastero ma come "semplice" chiesa, ha come protagonista l'imperatore Ottone III che ne sottolinea la sua personale protezione oltre a confermare a Settimo i beni che già deteneva. Un secondo documento datato 1015, in cui inequivocabilmente San Salvatore viene descritta come abbazia, fu redatto per volontà dell'imperatore Enrico II. Del resto questo rapporto di scala continentale, unito ad un assoluto protagonismo religioso e politico nei confronti della città di Firenze, risiede anche nel "curriculum" della famiglia che fondò il cenobio: i conti Cadolingi, vero e proprio pezzo di classe dirigente toscana, contraddistinta da forti legami con l'Impero. Infatti – nonostante i Cadolingi avessero tentato più volte in seguito di rendersi autonomi – il titolo di "conte" nel X e nell'XI secolo non era ereditario come lo conosciamo oggi, ma una nomina imperiale. Un titolo a cui corrispondeva una responsabilità di governo in nome dell'Imperatore in persona e che poteva essere anche revocato dallo stesso.

I rapporti col cuore dell'Europa, proseguiti nei secoli successivi con la presenza dei Cistercensi, sono testimoniati lampantemente anche dalla presenza di due busti reliquiari, oggi custoditi nel refettorio dell'abate, legati al culto di Sant'Orsola e del suo seguito composto – secondo la tradizione – da 11.000 vergini martirizzate a Colonia. Uno dei due busti, databile alla prima metà del XIV secolo, proviene direttamente dalla Camera d'Oro della città tedesca.

A proposito di mondo germanico, esso costituisce una delle principali motivazioni che giustificano la costruzione del campanile, caratterizzato da una forma particolare ed insolita: un fusto cilindrico, ritmato da lesene, su cui si imposta un prisma esagonale. Questi due primi livelli, partendo dal basso, furono edificati in pietra alla metà dell'XI secolo. Il terzo e il quarto livello appartengono invece ad epoche successive (rispettivamente alla seconda metà del XII secolo e al 1370). La torre non è più quella originaria, perché minata dai tedeschi in ritirata durante il secondo conflitto bellico nel 1944, ma fortunamenta fu ricostruita fedelmente. Questa sua conformazione evidenzia rapporti con Ravenna, dove spesse riscontriamo campanili cilindrici (Sant'Apollinare in Classe, la basilica Ursiana, Sant'Apollinare Nuovo, Sant'Agata Maggiore, giusto per citare gli esempi più famosi). Ravenna irraggiò il suo stile molto lontano, nel cuore dell'Europa. Per questa ragione anche in Germania troviamo campanili ispirati alla città romagnola che prevedono, come alla Badia, l'alternanza di cilidro ed esagono: ad esempio sono così caratterizzate le torri campanarie della basilica di San Pantaleone a Colonia (990-1000 circa) e dell'abbaziale di San Michele ad Hildesheim (1010-1033).

Dichiarazione di missione

La Scuola del Fiume – Centro Studi Wushu Italiano è un’associazione senza scopo di lucro che, come da statuto, si occupa della divulgazione e dell’insegnamento del wushu e delle discipline derivate.

Segue come principio fondamentale il rispetto di sè, degli altri e dell’ambiente sulla base del concetto che ogni individuo è un’entità formata da una componente fisica, psichica e relazionale considerata come un’insieme di equilibri vitali che garantiscono una vita di salute appagamento e benessere.

Per questo il wushu, il cui patrimonio origina dalla filosofia e dalla medicina tradizionale cinese, rappresenta uno strumento efficace e completo che si è evoluto nella Scuola secondo le esigenze dei tempi e del luogo, attraverso un continuo lavoro di studio e ricerca ha dato come risultato un metodo nuovo pur mantenendo i valori tradizionali.

Tale metodo si avvale di esercizi e tecniche per lo sviluppo della percezione, del riconoscimento e controllo della persona aumentandone la consapevolezza, ed è finalizzata quindi al miglioramento della qualità della vita di tutte le persone.

La critica ha apprezzato soprattutto il suo tentativo di attualizzare i segni del sacro attraverso un’indagine spirituale ed ontologica, che sfocia nella ricerca metafisica. Come evidenzia la critica d’arte Mila Mastrorocco, “… nelle sue opere si avverte l’attesa costante di un’idea rivelatrice, conseguenza di un atteggiamento di ascolto illuminante…“

“L’autrice sceglie i percorsi che, nel labirinto dell’esistenza, portano al centro del Mistero e per superare la lacerante separazione fra due mondi, quello visibile e quello invisibile, usa simboli archetipi, con la loro forza evocativa, in una narrazione che tende a divenire sempre più rarefatta ed allusiva.”(Tommaso Caloscia)

“… Manuela avverte la necessità di annodare la sacralità al quotidiano e per questo attinge alle proprie origini: i suoi monti, fiumi, boschi e mari trasfigurati riconducono ai monti, ai fiumi, ai boschi e ai mari della sua amata, selvaggia e amara Maremma, mai realmente abbandonata, con i valori di solidarietà, tenacia e speranza, che da microcosmo sfuma in macrocosmo.” (Paola Torrini)

Pittore contro, Berti, lungo tutta la propria vicenda quarantennale, pittore resistente, resistenziale anzi, antagonistico, insubordinato, insubordinabile, popolarmente vigile, e passionalmente contestatorio. Capace tuttavia anche di riflettere criticamente sulla dimensione utopica nella quale la sua fiducia politica di risarcimento comunque si fondava. Autenticamente contro perché motivato nel profondo da tale passionalità, ma autentico anche perché interamente operante la propria contrapposizione in termini di linguaggio della pittura.

Se la collocazione storica dell'attività di Berti si pone dapprima in una dialettica interna al “concretismo” italiano del secondo dopoguerra (in termini di vocazione alla materialità contro ogni idealizzazione), quando riteneva di poter affermare la necessità d'una ricerca avanzata corrispondente ad una visione politica innovativa (facendo propria la lezione dei “costruttivisti” russi); e poi si afferma nei termini d'un figurare emblematico sempre più teso in una frontale contrapposizione ad ogni ottimismo opportunistico e di trasgressione sociale; la ragione della sua forza e della sua originalità consiste infatti nell'aver realizzato il proprio “essere contro”, il proprio esistere, antagonistico, sempre e soltanto attraverso mezzi di pittura, come dunque articolazione propositiva fortemente impressiva di segni, forme, colori, personalissimamente determinati. Nella sua fervida immaginazione, testimone profondo del disagio dei tempi.

Enrico Crispolti, Berti, un resistente, antagonistico. Testo inserito in Vinicio Berti. Dipinti e disegni 1940/1991, Giunti editore, Firenze, 2000

Un meritato tributo. Ricordo che quando Vinicio Berti insegnava all’Accademia di Belle Arti di Firenze, molti di noi studenti, terminata la lezione, lo seguivamo per le vie del centro per cogliere le sue riflessioni di vita e sull’arte. Prima ancora di essere un grande pittore era un vero Artista. Nelle nostre discussioni in movimento, poneva quesiti e temi di riflessione che allora ci facevano riflettere molto e ancora oggi mi risultano attuali. Ci ha trasmesso quella libertà interiore che sa riconoscere solo chi la possiede, e non mi pare poco. Grazie Vinicio

Vincenzo Zappia

Corrado Marsan è nato ad Ancona il 20 dicembre 1942. Vive ed opera tra Firenze, Milano e Bari.

Critico e storico dell'arte, direttore editoriale (De Tullio e Associati, Milano; Edizioni del "Premio di Poesia Pandolfo", Padova-Firenze; Edizioni della Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Noicàttaro, Bari), giornalista e conferenziere, è stato ed è consulente, per le Arti Visive, di vari Assessorati alla Cultura ed Enti Pubblici (Milano, Trieste, La Spezia, Massa, Perugia, Lanciano, Città di Castello, Mola di Bari, Rocca San Giovanni, Azienda Autonoma di Turismo di Firenze, Azienda Autonoma di Soggiorno e Turismo di Fiesole, Teatro della Pergola di Firenze, Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente di Milano).

È Conservatore della Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Noicàttaro (Bari) e coordinatore dei Comitati scientifici della Raccolta Permanente d'Arte Contemporanea del Comune di Rocca San Giovanni (Chieti) e della costituenda Pinacoteca Civica di Scarperia. È Presidente onorario dell'Associazione "Lanciano Arte" e vicepresidente del "Premio di Poesia Pandolfo". È stato Consigliere d'amministrazione del Teatro Regionale Toscano, Direttore artistico del Centro Arti Visive "Modigliani" di Scandicci e, per dodici anni, Consigliere del Comitato fiorentino della "Società Dante Alighieri" (dove, fra l'altro, ha tenuto i corsi "Raccontare l'arte"). Ha fondato e diretto la Sezione sperimentale dell'Accademia d'arte "Dino Scalabrino" di Montecatini Terme (1968-1975), la Raccolta d'arte della "Casa di Conversazione" di Lanciano (1999-2002) e la collana di poesia d'avanguardia "I Quaderni del Proconsolo", Firenze (1963-1977). Tiene seminari di Storia dell'Arte per conto di Assessorati, Istituzioni e Associazioni culturali in Italia e all'estero. Ha ideato e condotto numerose trasmissioni, dedicate alle arti visive, per le emittenti "Tele 37", "Canale 6" e "Canale 10".

Ha collaborato e collabora a varie riviste di cultura (di alcune delle quali è stato ed è anche redattore o consulente di redazione): «La Fiera Letteraria», «Sipario», «Letteratura», «Civiltà delle Macchine», «Uomini e Libri», «Le Arti», «Carte Segrete», «Cenobio», «Arte Oggi», «Il Margutta», «Il Giornale della Permanente», «Uomini e Idee», «D'Ars Agency», «Stazione di Posta», «Il Ponte», «Città di Vita», «Erba d'Arno», «Il Fuoco». Ha lungamente collaborato, in qualità di critico d'arte, ai quotidiani «Corriere di Sicilia» di Catania, «Il Lavoro» di Genova, «Il Corriere del Giorno» di Taranto, «La Giustizia» di Roma e, per dieci anni (1965-1975), alle pagine fiorentine del «Giornale d'Italia», a «Nazione Sera» e alla «Nazione» di Firenze.

Ha fatto parte del "Gruppo 70" di Firenze e del Gruppo "Arte Genetica" di Lecce. Ha collaborato, dal 1965 al 1974, con le gallerie "Numero" di Fiamma Vigo e "Il Fiore" di Corrado Del Conte. È stato direttore artistico o consulente delle gallerie "Jacopo della Quercia" di Siena [la sua attività alla guida della storica galleria senese - per la quale, dal febbraio 1969 al maggio 1973, ha curato diciotto mostre con i relativi cataloghi - è ben documentata nella tesi di laurea La galleria Jacopo della Quercia di Siena. 1968-1975 di Sara Paradisi (Università degli Studi di Siena, Facoltà di Lettere e Filosofia, Anno Accademico 2000-2001. Relatore: Enrico Crispolti)], "Peccolo" di Livorno, "Palazzo Vecchio" di Firenze, "Il Pozzo" di Città di Castello, "Contemporarte" di Calenzano, "Minotauro" de La Spezia, "Canova" di Roma, "Poggiali e Forconi" di Firenze, "La Bottega delle Arti" di Mola di Bari, della Biblioteca Comunale di Borgo San Lorenzo e della Biblioteca Comunale di Scarperia.

Ha curato, per conto dell'Azienda Autonoma di Soggiorno e Turismo di Fiesole (1985-1990), un ciclo di mostre dedicate ai protagonisti del "Novecento Toscano" e, per l'Unione Fiorentina, alcuni cataloghi della "Biennale Internazionale d'Arte Premio del Fiorino" e della "Biennale Internazionale della Grafica", ricoprendo, nel contempo, anche gli incarichi di Commissario alle mostre storiche e di Capo ufficio stampa. Dirige l'Archivio storico del "Novecento Toscano", Milano-Firenze, il Centro di Documentazione per le Arti Visive della Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea di Noicàttaro (Bari) e le manifestazioni collaterali del "Premio di poesia Pandolfo", Padova-Firenze.

Pubblicazioni

MONOGRAFIE E CATALOGHI

Il Gruppo 70, Edizioni Gruppo 70, Firenze 1966 - Il simbolismo di Alberto Martini, Edizioni d'Arte Santacroce, Firenze 1967 - Ernesto Treccani, Edizioni Galleria Contemporarte, Firenze 1967 - Trenta disegni di Ottone Rosai, Edizioni Jacopo della Quercia, Siena 1969 - Primo Conti, Edizioni Jacopo della Quercia, Siena 1969 - La linea umbra, Edizioni Jacopo della Quercia, Siena 1969 - Gerardo Dottori. Dodici litografie, Edizioni AL 2, Roma 1969 - Giovanni Korompay, Edizioni Galleria Peccolo, Livorno 1969.

Giuseppe Compagnoni, dipinge da quarantacinque anni vari soggetti della vita quotidiana; fotografando il soggetto scelto. Tutta la sua arte è influenzata dalla fotografia, che lui usa come ausilio per produrre i suoi lavori e per cogliere meglio quel preciso attimo. Le sue opere sono state prodotte in massima parte in pittura ad olio, usando i colori pastosi che producono effetto a rilievo, e con alcune velature per creare trasparenze; si è cimentato anche nell’uso della tecnica ad acquerello e nella grafica ottenendo risultati ragguardevoli. I suoi acquerelli accesi dalla scelta della tavolozza esprimono un tono drammatico anche grazie alla caratteristica dell’uso di una luce abbagliante, dando l’impressione che il colore possa esplodere in un incendio nostalgico; nonostante il risultato dell’acquarello sia di per sé delicato.

Compagnoni è un pittore che si è cimentato in soggetti classici come i paesaggi, raffiguranti le vedute delle colline (Monte Oliveto, il Boschetto ecc.) e stradine fiorentine, rievocando quella Firenze oramai scomparsa. Nelle nature morte il tratto è morbido e levigato. In alcuni dipinti emerge un sapore astratto, come nelle “Quattro Stagioni”, ossia esplosioni di colore descritto con gioia creativa in un’atmosfera sospesa.

Leonardo Colicigno Tarquini

È recensito sul numero 54/53 nuova serie di “LUNARIONUOVO” da Stefano Lanuzza, sul numero 17 dell’anno 9 di “Fronesis” da Massimo Seriacopi, su www.literary.com da Roberta Degl’Innocenti, e sul numero 47 di “Gradiva” da Annalisa Macchia. Ed è presente nelle antologie poetiche “I poeti contemporanei e la critica, volume II” (Bastogi, giugno 2012), “Voci fiorentine” (Ibiskos Ulivieri, ottobre 2013) e “Letteratura italiana - Poeti e narratori italiani” (Bastogi Libri, febbraio 2015)

Francesco Forconi, in arte “Skim”, usando il colore in maniera energica e seducente, riesce a rendere particolari ed uniche le sue opere; vi inserisce una storia al suo interno ed unisce lo stile grafico alle diverse espressioni artistiche.

Skim analizza tutte le sfaccettature del quotidiano e le traduce in opere d’arte; sia composte sulla tela, che opere d’arte da strada. Anzitutto ci troviamo di fronte ad un giovane che si esprime sia come pittore che come graffitaro e addirittura come fumettista. Dopo aver completato i suoi studi ha viaggiato a lungo, giungendo in città vivaci come New York, entrando in contatto con le opere di Hading. La molteplicità di stili e di tecniche impiegate da Skim è la principale caratteristica che balza all’occhio: dai markers alle bombolette spray, fino ai più tradizionali colori ad acrilico ed olio su tela; dalla pennellata morbida al tratto netto sul colore violento ed uniforme. I personaggi più usati e da lui creati sono un simpatico e vivace funghetto, il moscardino, la meravigliosa Marylin Monroe, Child Zone e la Valigia Blu. Interessanti poi sono i quasi Kaos, ove l’artista incastra tante storie e crea un puzzle di immagini scomposte. E’ un artista colto; in alcune sue opere cita oppure rivisita particolari od intere parti di famosi capolavori dell’Arte mondiale: per esempio nel manichino “Van Gogh” vi ritrovo tutta la biografia del pittore olandese; Skim ha infatti citato i capolavori del maestro, dall’Autoritratto col cappello di paglia alla celeberrima Notte stellata.

Grazie alle sue doti ha ricevuto molti premi, come il premio Arte Fiera consegnato da Vittorio Sgarbi ed esposto le sue opere in varie esposizione; tra le quali una mostra personale a Lastra a Signa.

Leonardo Colicigno Tarquini

“Eppure l’uomo delle contraddizioni e della sfida sapeva affiancare al mistico una potente ebbrezza per la vita; ma forse in questo non c’è contraddizione; solo consapevolezza dell’indicibilità del mistero dell’esistenza, di cui bisogna godere fino a che si può. E in questo Gennaro è stato un uomo vorace. Ha goduto, amato, patito, e lo ha fatto con foga, senza risparmiarsi. La sua vita è stata un cantiere aperto di sentimenti, di idee, di suggestioni." (Francesco Maria Tedesco)

“Un operatore di grande cultura e di sapiente mimesi nel quale il divertissement (nel senso del pensiero divergente e della reinvenzione ludica) conduce fino alle radici di un’estrema drammaticità dove finito e infinito, vita e morte, esistere ed essere, tutto e nulla confermano la pienezza di una coscienza alimentatasi al mito mediterraneo di una terra dove un tempo abitarono gli dei e dove ancora è possibile respirarne gli ultimi pollini” (Franco Manescalchi)

“La parola di Oriolo è capace di distendersi dalla colloquialità alla più intensa e sorvegliata stilistica delle emozioni. Riesce facilmente a sostenere un tratteggio di solennità quasi classica, e si abbandona volentieri e con gioia allo scherzo e all’irrisione, riuscendo anche a sorprendere per freschezza retorica quando si trova a tratteggiare il sereno distacco da ogni soverchia quanto inane costruzione del pensiero umano” (Giuseppe Marrani)

“Ci manca già il suo spirito critico e arguto la voce di Gennaro è sempre stata libera e autorevole, mai banale: quella di un uomo di cultura, di un pensatore, con una grande onestà intellettuale e umana accompagnata da un fortissimo senso civico” (Sandro Fallani, Sindaco di Scandicci)

“… Anche la tecnica fotografica ha subito trasformazioni: il file può essere visionato immediatamente e selezionato tra tantissimi scatti. Adolfo Straziati non sfugge al contemporaneo, con la sua digitale sempre in tasca è un cacciatore di immagini sempre in attenta ricerca e pronto a catturare ciò che lo attrae, vuoi una reiterazione di papaveri, il movimento dell’acqua di una cascata o la bellezza di un solo fiore. …”

Vincenzo Zappia

“Il poeta è cosciente del compito arduo che gli è sta o affidato e lo accoglie non passivamente ma rielaborandolo nel crogiolo del cuore. il dolore... non è mai definitivo.; ogni passo è croce e fiamma... Lucia è la creatura che cammina dolorosamente ma con gli occhi fissi alla luce (il suo stesso nome ne è epifanico segno).” Mario Sodi Dalla Prefazione a "Orme di Signoria”

"... Leggere i versi della Visconti è come sentire una voce sorella con cui con- dividere l’antico male della solitudo. E non è proprio questa valenza a far divenire la pagina luogo vitale di poesia” Franco Maniscalchi. Dalla Prefazione a "Per mano".

“ … La poetessa Mara Faggioli sceglie consapevolmente la forza delle figure evocate dalle parole, a volte rifuggendo dai paletti delle ferree logiche sintattiche o astruse regole metriche. La natura è armonia e perciò promotrice di suoni e di colori che si traducono, come per magia, nei suoi scritti in sentimenti, in emozioni. “

Vincenzo Zappia

"L'uso della matita colorata su carta per ottenere le stesse campiture aggiunge l'eleganza del tocco. L'impianto rigoroso nell'equilibrio compositivo si rivela pretesto per l'intervento prorompente del gesto, vera e propria improvvisazione, affidato a linee continue che percorrono la superficie con l'arbitrarietà dell'ispirazione colta nel momento del fare. Esposizione, quella delle opere di Zappia, esemplare in periodi nei quali il fare, il saper fare, è subissato da interessi lontani se non contrari alla comunicazione estetica. (Ugo Barlozzetti)”

"Da una parte l'esuberanza del primo, rappresentato dalla maestria espressa in linee e cerchi, e dall'altra l'ispirazione semplice e lineare del sentimento dell'uomo che tenta di comporre Ia frattura sul piano ideate. II tentativo dell'aggancio sono onde musicali e stati d'animo tendenti a un dialogo armonico. Ma a comporre il tutto in modo sublime sono i colori. E' l'uso delicato dei pastelli che si armonizzano e passano da una parte all'altra delle due situazioni reali risolvendo la convivenza tra l'uomo intatto nei suoi sentimenti e Ia consapevolezza della necessita tecnologica per risolvere i problemi esistenziali dell'uomo stesso. (Senzio Mazza)"

Ha pubblicato:

Testimonianze dei conti Cadolingi sul territorio toscano: le abbazie di Fucecchio, Elmi, Morrona e Montepiano in Scandicci, i Cadolingi e la viabilità Francigena, Atti del convegno del 4 dicembre 2010 a Badia a Settimo, Centro Studi Romei 2011.

Vallombrosani e Camaldolesi in Val d'Orda: SS. Trinità di Spineta, S. Pietro in Campo ed Eremo del Vivo in Radicofani e la via Francigena, Atti del convegno del 2 agosto 2011 a Radicofani, Centro Studi Romei 2011.

Sant'Appiano: monumento simbolo della Valdelsa medievale in Semifonte e la via Francigena, Centro Studi Romei 2012.

La via Teutonica e la diffusione dell'arte ravennate dal Casentino a Montefiascone in La via Teutonica, Atti del convegno internazionale del 29 giugno 2012 a Venezia, Centro Studi Romei 2013.

L'abbazia di San Salvatore a Settimo: un respiro profondo mille anni, Pagliai Polistampa, Firenze 2013.

ll crocifisso di San Vincenzo a Torri: una monumentale scultura della Toscana romanica in Il Cristo di San Vincenzo a Torri, Centro Studi Romei 2013.

La chiesa dei santi Leonardo e Cristoforo a Monticchiello in Tra due Romee, Centro Studi Romei 2014.

Il San Flaviano: espressione architettonica degli orizzonti culturali di Montefiascone in Montefiascone: punto d'incontro e saldatura tra via Francigena e via Teutonica, Centro Studi Romei, 2015.

Sant'Orsola e Badia a Settimo tra respiro europeo e protagonismo locale in Sant'Orsola: regina di Brettagna, Società Bibliografica Toscana 2015.

Il fenomeno delle hallenkirchen nel contado fiorentino in Architettura e viabilità: il contado fiorentino, Centro studi Romei 2015.

"La sua poesia sorprende per la freschezza con la quale aderisce alla vita e la racconta maneggiando felicemente tutti i migliori materiali poetici della tradizione, 'le strutture più intrinseche della nostra lingua, della nostra metrica e ritmica'. (Carmelo Serafini)"

"I nuclei tematici e stilistici della raccolta costituiscono un testo in cui si miscela l'angoscia con l'incanto o meglio si dissolve l'angoscia nell'incanto che è accoglimento liberatorio. La percezione acuta della morte, dell'assenza, tende a risolversi nella luce, la luce che abbaglia, che illumina che riscatta. (Mario Specchio)"

"C’è nella scrittura di Sodi come un bisogno di benedire il vissuto, di orientarlo al bene, a un esito positivo, una voglia di redimere, trasfigurare non solo la sua storia personale ma il Tutto; una voglia cosmica di trasmutazione e di trasfigurazione. (Giorgio Mozzanti)”

"È nella sintesi tra bellezza della Natura e flusso divino del pensiero e della parola che Sodi sembra individuare il baricentro della propria poesia. (Giuseppe Panella)”

"La sua felice "cruciali" gioiosa, che fonda su questo ossimoro un percorso conoscitivo in cui il dolore si illumina percorrendolo e la vita si accoglie come dono, è un dato esclusivo che lo caratterizza, lo rende inimitabile e colloca molto in evidenza nel contesto culturale. (Franco Manescalchi)"

DISSONANZE

Ci sono luoghi dove l'aria canta

e ad ascoltarla c'è solo il silenzio.

Appostato in agguato m'illudo

di sentire questa musica

e nelle tenebre delle mie notti

allargo le braccia

e annego tra i profumi

di rose immaginate

con gocce brillanti di rugiada.

E si levano voci deliziose

che entrano

fino all'ultimo angolo del corpo

solleticando la fantasia

che mi parla e gonfia

l'istante

lungo pianure di cielo.

Ma all'improvviso tutto svanisce

perché stillicidi cupi

con ritmo insistente

trapassano il cuore

e strozzano i sensi

accecando l'anima

nell'inquietudine che rode.

Ma ci sono luoghi dove l'aria canta

e ad ascoltarla c'è solo il silenzio.

Tratta da "PIZZINI D'AMORE- LOVE NOTES di Senzio Mazza - Edizioni LEGAS New York.

NOTA CRITICA all'opera di Senzio Mazza del poeta e critico letterario Salvatore Di Marco.

"...caratterizza questa silloge con i suoi alti esiti stilistici la ricerca attenta e impegnata del senso più profondo e più vero della poesia, nonché le tensioni liriche interne alla dimensione quotidiana del vivere che solo un'attenta sensibilità poetica, quale è quella del nostro autore, raccoglie e innalza alla luce più suggestiva della espressione poetica. Il nostro autore evidenzia, nel corso della sua silloge, un'idea animata da appassionata tensione filosofica che percorre l'insieme del suo progetto poetico, conseguendo così il fine di contrassegnare con espressioni fortemente persuasive la condizione esistenziale dell'uomo in questa nostra sofferta, complessa, difficile società contemporanea."

N.B. Tutte le opere di Senzio Mazza sono consultabili presso la Biblioteca Comunale di Scandicci, la Biblioteca Nazionale di Firenze, la Biblioteca Marucelliana di Firenze, la Biblioteca Artemisia di Capannori (LU) e la Biblioteca Comunale di Linguaglossa (CT)

"E povero, ignudo, felice di essere povero ignudo" (da La Notte, Canti Orfici di Dino Campana)

Un mese fa avevo scritto questa piccola pagina che doveva fare da introduzione affettuosa all'autobiografia di Liliana Poli, che avevamo riletto insieme, e ci preparavamo a dare alle stampe, Non avrei mai immaginato che sarebbe stato l'ultimo saluto a una delle mie amiche più care e a un'artista - senza eccessi - unica nel suo repertorio. Oggi, credo sia giusto anticiparla, come ricordo commosso, in mezzo a tanto silenzio - o mi sto sbagliando? - che ha circondato la dolorosa sua perdita.

Carissima Liliana,

in questo affascinante racconto in cui tu ripercorri i momenti più intensi della tua vita di artista e di donna, ritraendo con commozione ma anche con spirito sottile i grandi personaggi del mondo della musica con cui hai creato interpretazioni indimenticabili, sono entrato, ahimé, solo dagli anni Settanta, nella stagione della tua “Musica da camera”: il periodo della formazione, le prime esperienze e affermazioni teatrali, l’incontro con Arrigo e con la Schola fiorentina, la scelta del repertorio contemporaneo e i tuoi successi internazionali, li ho finalmente visti scorrermi davanti, come fossero vivi (e non come brandelli di cronache o recensioni), soltanto in questi mesi passati, nel rileggere, insieme a te, le pagine di questa tua colorita e commossa autobiografia. Eppure quella “stagione” ormai lontana, in cui hai cominciato una collaborazione con Fausta, che è durata per anni, è ancora ben viva nella mia memoria (forse perché mi ero appena sposato con “la Cianti”): ricordi quando il Teatro Comunale – avendo messo in cartellone Ariadne auf Naxos – ci chiese di disegnare un programma cameristico, e tu ti avvicinasti con slancio alla liederistica e alle scene di Ariadne del mio amatissimo Strauss? Fu un autentico coup de foudre, l’occasione per una lunga collaborazione a tre, a cui si aggiunse il compositore senese Ruggero Lolini, amico fin dall’adolescenza di Fausta, con la sua raffinata produzione da camera, per pianoforte, per voce, e con i suoi rapporti professionali che ci hanno portato in molte case discografiche a registrare rarità di Musorgskij, Dallapiccola, Petrassi, Donatoni e molti altri canti da camera italiani, un LP monografico di musiche di Arrigo Benvenuti, pagine dedicate dai maestri nel nostro tempo alla tua straordinaria vocalità e al pianismo di Fausta. Ho ancora davanti agli occhi le foto che vi ritraggono durante le tournées in Russia, in Giappone, in Germania, a Copenaghen, dove tu portavi preziose arcate di canto italiano, recuperando, accanto all’immancabile lirica del Novecento, la nobiltà del recitar cantando monteverdiano e qualche perla operistica. E sfoglio le copertine dei nostri LP per i quali scrivevo le note…. Né posso dimenticare i tuoi recital al GAMO, il tuo Debussy a Opera Barga con il caro Paolo Cioli, e le folle di giovani ascoltatori che alla fine dei concerti per le scuole vi si affollavano intorno a chiedere l’autografo agitando i programmi di sala, e quel bambino che per gratitudine di quel che aveva ascoltato, pose in mano a Fausta una moneta da cento lire. E Fausta l’ha messa in cornice, come il dono più caro ricevuto nella sua carriera. Un dono che è accanto, oggi, alle sue ceneri….Ma questa è un’altra storia che forse non scriverò mai.

Cesare Orselli

"Ma quando l’opera è finita e collocata sprigiona un magico potere, un fascino tutto particolare e tale che chi possiede un bel bronzo non se ne distacca facilmente, diventa parte della famiglia e non se ne spiega la ragione, il mistero.

E Patrizia riesce a realizzare opere sue personali sia che estrinsechi le sue possibilità nel bassorilievo, sia che si cimenti nel tutto tondo, al limite del figurativo, in una ricerca tutta personale.

Merito della sua costanza, della sua passione e delle sue qualità espressive che manifesta anche nelle sue opere grafiche, nelle terrecotte, ecc.

Antonio Berti

Una domenica mattina di forte pioggia un pubblico bagnato, entra nella sala del Consiglio Comunale di Scandicci per vedere le sculture di Patrizia Pandolfini e per assistere al concerto del soprano Elena Mariani, accompagnata al pianoforte da Gianni Franceschi. Contemporaneamente, entra un pubblico che sembra provenire dagli anni trenta, entra anch’esso con addosso la medesima pioggia. I presenti, ignari, osservano queste presenze abbigliate diversamente con curiosità e inquietudine. Tutti, indifferentemente si avvicinano alle sculture per ammirarle. Il Presidente annuncia l’inizio del concerto. Il pubblico prende posto, ma l’enigma è nella mente. Nella fase di ringraziamento di fine concerto il gruppo degli alieni, ordinatamente si porta sulla scena posizionandosi insieme ai musicisti e lo scultore. Che sollievo scoprire che “La Compagnia Dei Nove” ci aveva deliziato con una performance a sorpresa. E dopo la forte pioggia che ci ha bagnati all’ingresso dell'evento, uscendo dalla sala abbiamo trovato il sole.

Vincenzo Zappia

Vito Frazzi è una personalità originale, un artista "solitario" e "libero". Vero intellettuale del suo tempo, capace di cogliere le inquietudini che penetrano un secolo difficile quale il Novecento, Frazzi vive la sua epoca con senso d'indipendenza dalle veloci evoluzioni del linguaggio musicale contemporaneo. a trent'anni dalla scomparsa, questo libro vuole raccontare un compositore e un maestro che divenne, nella sua epoca, un centro d'attrazione per gli intellettuali fiorentini, ricollocandolo fra i musicisti del suo tempo.
Nardini - Collana: Musica d'arte (Anno 2006 - EAN13 9788840427010)

Boriana Nakeva, violino; Angela Savi, violino; Edoardo Rosadini, viola; Sara Nanni, violoncello; Luigi Manaresi, pianoforte

La pubblicazione, che si apre con i saluti istituzionali, prosegue con la cronologia dei Direttivi del Centro che si sono susseguiti negli anni e con un ricordo dei tre fondatori, Egisto Mascagni, Ciro Nanni e Renzo Ugolini. Raccoglie alcune testimonianze cui seguono alcune riproduzioni di un epistolario tra Frazzi ed altri intellettuali ed il catalogo delle opere. Ritorna quindi al Centro dell’Arte con alcuni interventi a testimonianza dell’attività svolta, e una breve storia dei momenti salienti della vita dell’associazione. Segue la riproduzione delle acqueforti che gli autori hanno gentilmente concesso in omaggio per essere donate agli esecutori al termine di ciascun concerto. Infine, il catalogo completo dei concerti tenuti regolarmente dal 14 gennaio 1979, che cronologicamente ripercorre le date, gli esecutori ed i programmi.

La pubblicazione è un catalogo critico su Fernando Farulli ed è stato realizzato in collaborazione con il Comune di Scandicci, il Comune di Fiesole, il Comune di Piombino, la Scuola di Musica di Fiesole, l'Associazione Fernando Farulli e il Centro dell’Arte "Vito Frazzi", in occasione della commemorazione della scomparsa di Fernando Farulli, avvenuta il 7 febbraio 1997 e a trent'anni di distanza dalla realizzazione della splendida vetrata della Sala Consiliare ad opera dell'artista.

L'incisione di Rosalba d'Ettorre riporta integro il senso della grafica: scrittura, resa leggibile del mondo. Eppure, a vederla bene, quest'opera everte l'orizzonte della semplice riduzione del mondo della vita a ordine scritto, ad ambito piegato ai nostri piedi di esseri curiosi e conoscitivi.
Il disegno è una trama che cuce con pazienza e leggerezza il mondo interno ed il mondo esterno, ne registra le zone di più intensa resistenza; è un oscillogramma dell'anima che registra i suoi punti di luce e d'ombra. Con la costanza di Penelope essa tesse, recupera i fili, riaggancia, senza però disfare nottetempo la trama di quella trascrizione fatta per segni ed emblemi che edificano senso: una storia di esitazione e di coraggio nel labirinto. Il segno lascia la traccia, incide con forza quel percorso che, in altre opere, si era lasciato al giuoco della leggerezza delle forme e dei colori, si era concesso la prova di una geometria variabile.
Qui, mondo interno e mondo esterno sono ricongiunti, ricuciti in un percorso che, del labirinto, ha saputo fare una forma, una narrazione decifrabile come una mappa di navigazione.
E' contenuto tutto qui, in questa scatola nera che ci ridona il viaggio per città e per foreste.

Luca Farulli

Ricco programma di sala dove oltre a presentare i due concerti previsti per la ricorrenza che avviene a distanza di venti anni dalla sua scomparsa, Mara Bercella e Gaspare Nello Vetro, tracciano un profilo del compositore e dell'uomo Vito Frazzi.

"Bilancio rappresentato anche da questa pubblicazione, una sorta di diario che ripercorre, attraverso i programmi stampati, con gli articoli di giornali, le testimonianze dirette, il nostro non facile cammino." La pubblicazione vuole essere un momento di consolidamento dell'As­so­cia­zione, sulle attività svolte nei suoi primi dieci anni, nei settori della musica, del teatro e della scuola.

Nella elegante veste tipografica è stata inserita in copertina una incisione di De Chirico (che fu amico di Frazzi) raffigurante il "Don Chisciotte", una delle opere scritte dal compositore sansecondino.
Dopo i saluti degli Assessori alla Cultura dei Comuni di Firenze, di Scandicci e di San Secondo Parmense e del Direttore del Conservatorio "L. Cherubini" di Firenze, seguono i tre programmi di sala degli altrettanti concerti, di musiche di Frazzi, che si sono svolti nei comuni organizzatori dell'evento.
Raccoglie inoltre alcune significative testimonianze e ricordi su Vito Frazzi, numerose lettere e foto che lo ritraggono con amici intellettuali a lui vicini. Infine è presente un catalogo delle sue opere.

Questa pubblicazione è stata presentata al pubblico durante un bellissimo concerto di musiche di Eriberto Scarlino e che ha visto come relatore Annalena Aranguren, tenuto in occasione del 25° anniversario della morte del Maestro, raccoglie oltre a un profilo bografico del maestro scritto da Paolo Fragapane, alcuni gudizi della critica apparsi sui giornali nazionali e numerose testimonianze di musicisti del tempo.

L'opuscolo è stato pesentato in occasione di un concerto omaggio a Vito Frazzi che ha visto Franco Rossi al violoncello, Francesca Maggini al pianoforte e Anna Di Gennaro soprano, esegire musiche composte da Vito Frazzi. Il testo raccoglie oltre a un profilo biografico del Maestro firmato da Carlo Prosperi, numerose testimonianze di musicisti a lui contemporanei.

Ciro Nanni, Il "Maestro" come tutti lo chiamavano, era molto conosciuto a Scandicci ed a Le Bagnese in particolare poiché qui abitava e qui insegnava pianoforte a tanti allievi.

Le lezioni di musica dal Maestro erano un momento di ritrovo e divertimento sia per i piccoli che per i più grandi. In due saloni contrapposti della casa dove viveva si insegnava musica. Da una parte la Signora Maria, sua moglie e figlia di Vito Frazzi, insegnava canto. Dall'altra il Maestro insegnava il pianoforte a grandi e piccini. Tutti i giorni una breve lezione di 15 minuti: un po' di solfeggio alla volta, un po' di pianoforte. Gli allievi attendevano tutti insieme ed assistevano alle lezioni, imparando anche dall'attesa. Nessuna lezione fiume, la musica come gioco: due pilastri della didattica di Ciro Nanni.

Certo, il carattere era talvolta ruvido: qualche pianto per non aver studiato a sufficienza poteva scappare. Ma era sempre la passione che ne animava i comportamenti: la schiettezza, talvolta eccessiva, lo rendeva a volte difficile da trattare.

Ma quella stessa passione lo animava anche nella ricerca di nuove iniziative che fossero indirizzate alla diffusione della musica: sue le idee dell'orchestra, delle operine, dell'attività per i giovani, dei concerti con musiche di artisti toscani o che in questo ambito avevano lavorato; grande conoscitore di musica, conoscitore dei gusti del "pubblico" per aver lavorato da giovane in orchestre e complessi musicali, era alla perenne ricerca di nuovi stimoli, mai soddisfatto di quanto realizzato, con uno sguardo sempre proiettato al futuro. Umiltà, piccoli passi, lavorare al meglio delle possibilità: i suoi insegnamenti che saranno nostri compagni.

Descrivere le molteplici attività di Egisto Mascagni sarebbe impossibile. Come potesse fare tutto ciò che faceva nelle ventiquattro ore al giorno, conciliando lavoro, politica, attività sociale è quasi un mistero. Forse una risposta sta nel fatto che riusciva a fare contemporaneamente molte cose, unendo attività sociali e politiche.

Animatore instancabile, le sue attività erano unite da un filo comune, che vedeva nella socialità, nello stare insieme, nella ricerca di comuni radici, il tema fondamentale della sua azione.

Il Circolo ARCI de Le Bagnese, le feste organizzate nella Piscina Comunale o in Piazza Cannicci, le attività per l'Humanitas di Scandicci, per l'AVIS di cui si onorava di essere donatore, per la Polisportiva San Giusto-Le Bagnese, lo vedevano sempre in prima fila, nel raccogliere uomini, dare loro fiducia, far sì che le idee potessero realizzarsi. Uno spirito esuberante e vivace governato, però, da una visione precisa, pratica e determinata che si concretizzava nella sua attività di tesoriere; attento ai bilanci, ha garantito la solidità delle Associazioni, ne ha consentito la crescita, le ha radicate nei territori.

Lo ricordiamo sempre al "centro dell'azione", mentre salutava i musicisti al termine del concerto o brandiva mazzi di fiori per le concertiste come fossero clave. Inguaribile ottimista, ci ha insegnato cos'è un'associazione e come, rispettando le idee altrui, anche quelle contrarie alle nostre, si possa non solo convivere, ma crescere e svilupparsi.

Il Commendator Renzo Ugolini associava ad una grande determinazione ed all'amore per la musica, una estrema riservatezza che ben si sposava con l'irruenza delle altre due anime del Centro.

Appassionato di musica, Renzo Ugolini aveva creato, nella sua grande casa sulle colline di Scandicci, una vera e propria sala di registrazione, dotata delle apparecchiature elettroniche più avanzate e degli strumenti musicali più evoluti con i quali amava trascorrere molte ore.

Una discoteca formidabile completava il quadro dell'appassionato musicofilo che, nel Centro dell'Arte, trovò un altro modo per mezzo del quale esprimere la passione per l'arte.

La sua familiarità con le strumentazioni elettroniche ne ha fatto il primo documentatore delle iniziative del Centro: interveniva infatti, con un sofisticato apparato di registrazione e con microfoni o con le prime telecamere e registrava pazientemente gli spettacoli ed i concerti, realizzando il primo nucleo dell'archivio del Centro dell'Arte, consolidato poi con fotografie e con la raccolta dei programmi di sala.

Elegante, presenziava ai concerti ma, con la scusa di una voce resa roca da una malattia, schivava le dichiarazioni pubbliche, traendo invece soddisfazione e gratificazione da tutto ciò che veniva realizzato sotto la sua presidenza, che ricorderemo per sobrietà, per impegno e per risultati.

Nel mese di luglio del 1979 sono realizzate tre manifestazioni nella Sala Consiliare del Comune di Scandicci: la prima iniziativa di concerti nei mesi estivi.

Nel mese di settembre del 1979 inizia la seconda stagione di concerti, che ha termine nella primavera del 1980.

Le stagioni concertistiche, nei primi anni, iniziavano regolarmente a settembre e si prolungavano fino al mese di aprile dell'anno successivo.

Negli ultimi anni, invece, i concerti si sono articolati in una stagione autunnale (dalla prima domenica di ottobre alla domenica precedente il S. Natale) e in una stagione primaverile (gennaio - marzo). Spesso, altre iniziative hanno fatto sì che il calendario si prolungasse fino al mese di maggio e, talvolta, fino ai mesi estivi.

Il 25 marzo 1980 Florenza Barbalat, al pianoforte, inaugura il primo ciclo di concerti al Teatro dell'Oriuolo, a Firenze, il martedì sera. Fu la prima uscita "fuori porta" da parte del Centro dell'Arte

Il 26 ottobre del 1980, nella Sala Consiliare del Comune di Scandicci, concerto dedicato alle musiche teatrali di Gaspare Spontini, realizzato in collaborazione con Paolo Fragapane, docente al Conservatorio "L. Cherubini" ed insigne studioso dell’opera dell’Autore. Da allora, molti sono stati i concerti dedicati alla produzione dei compositori, in particolare quelli toscani, di nascita o di elezione. Oggi la Stagione dei concerti della Città di Scandicci si svolge regolarmente presso la Sala Consiliare, ma allora, nei primi anni, la Sala era concessa solo in occasione di eventi particolarmente rilevanti.

L'11 gennaio 1981 viene allestita la prima mostra di pittura, con la partecipazione di Graziella Alfano, Arturo Cerra, Raffaele Del Savio, Renato De Spada, Ferruccio Fontanelli, Mario Manetti, Patrizia Pandolfini Renzi, Mario Spataro, Umberto Tofani. A questa iniziativa ne seguiranno altre, nella ricerca, che continua ancora oggi, di unire diverse forme d'arte. In questa occasione viene eseguito il "Quartetto" per archi di Vito Frazzi dal Nuovo Quartetto Bucarest.

Il 22 febbraio 1981, primo concerto, per il Centro dell’Arte "Vito Frazzi", della Big Band della Filarmonica "Vincenzo Bellini" di Scandicci diretta da Tolmino Marianini. E' sempre stato un piacere, per noi, ospitare nelle nostre stagioni le formazioni della Filarmonica "Bellini", dalla Big Band sino all'Antiqua Brass.

Il 22 novembre 1981 si esibiscono, in duo, il pianista Alberto Magnolfi e il violoncellista Volfango Dami: due giovani musicisti con cui il Centro ha mantenuto, negli anni, un rapporto basato sulla reciproca stima.

Il 21 gennaio del 1982, nella Sala Consiliare del Comune, si tiene un concerto dell'orchestra del Centro dell'Arte "Vito Frazzi". Grandi sono stati gli sforzi per organizzare una compagine tale da operare basandosi su un’idea guida: riunire musicisti di grande esperienza, ritiratisi dalle scene più impegnative ma ancora desiderosi di fare musica insieme, ed unirli a giovani esecutori, all'inizio della propria carriera, che avrebbero potuto da essi imparare ed apprendere il mestiere. Alla ricerca dei musicisti sono seguite le prove d'orchestra e, poi, alcuni concerti; le forze centrifughe sono state però superiori agli sforzi per tenere unito il gruppo: l'esperienza si è conclusa l'anno successivo.

Nel 1982 viene organizzata una stagione di concerti in collaborazione con il Comune di Lastra a Signa, e inizia la collaborazione con il Quartiere 10 di Firenze (ciclo di concerti al Teatro di Rifredi, ogni lunedì sera).

Nell’ambito delle iniziative volte a ricordare i compositori fiorentini, nel mese di ottobre del 1982 viene realizzato un concerto dedicato a Valentino Bucchi.

Il 6 novembre del 1983 viene dedicato un concerto alle composizioni di Carlo Prosperi e dei suoi allievi del Conservatorio "L. Cherubini" (Claudio Boncompagni, Francesco Rizzi, Alberto Magnolfi). Il Centro dell'Arte ha sempre cercato, negli anni, di dare spazio ai giovani compositori e alle musiche di artisti contemporanei: un’attività che dovrebbe certamente essere ancora più intensa sia da parte della nostra associazione sia da parte di tutte le organizzazioni musicali.

Ultima manifestazione di questo tipo è la presentazione del libro "Passaporto pianistico per il nuovo millennio", curato da Giuseppe Fricelli, una raccolta di composizioni di autori contemporanei italiani, dedicate al pianoforte.

Il successo del concerto di musiche di Carlo Prosperi convince l'associazione ad organizzare un'altra manifestazioni nel marzo 1984, nella quale vengono eseguiti, in prima assoluta, i "Canti dell'Ansia e della Gioia" di Carlo Prosperi, insieme a "O Diotima" ed altre opere. Il concerto, caso eccezionale per l'Associazione, fu replicato il giorno successivo.

Il 1984, però, fu l'anno delle operine. Furono messe in scena, infatti, il Giocatore di Orlandini e la Contadina astuta di Pergolesi, da un'orchestra di giovani e da una vera e propria compagnia teatrale composta da giovani attori e cantanti, con le scenografie di Armando Nocentini.

Alla fine del 1984, il Comune di Scandicci decise di intitolare una strada cittadina a Vito Frazzi: l’inaugurazione della targa fu preceduta da un concerto di musiche del Maestro (Leggenda per violoncello e pianoforte e Quartetto per archi). Un riconoscimento importante, che sottolinea la stretta collaborazione con l'Amministrazione Comunale, con la quale sono sempre stati intensi gli scambi.

Dopo le stagioni concertistiche per il Quartiere 10 di Firenze ed il Comune di Lastra a Signa, un'altra stagione viene organizzata al di fuori del territorio scandiccese, in collaborazione con il Circolo Ricreativo dell'Antella: i concerti sono tenuti il venerdì sera ed il sabato pomeriggio.

In occasione dell'anno europeo della musica, durante lo svolgimento della Fiera di Scandicci, nel Palazzetto dello Sport viene organizzata una manifestazione di tutto rilievo: l'orchestra dei giovani e gli allievi di pianoforte del Conservatorio "L. Cherubini" eseguono concerti per uno, due e quattro pianoforti e orchestra di J. S. Bach. Prolusione di Annalena Aranguren.

Teatro nel teatro, questa piece scritta da Brunetto Salvini, con gli adattamenti musicali di Maurizio Pratelli, descrive l'allestimento di un'operetta e, nella scelta degli interpreti, presenta i più bei brani musicali. Rappresentata al Teatro "Aurora" di Scandicci, al Teatro di Rifredi a Firenze, a Tavarnuzze, Poggibonsi e all'Antella, costituisce una vera e propria produzione teatrale.

Per circa tre anni, il Centro dell'Arte collabora con la Scuola elementare di San Giusto, per estendere l'insegnamento della musica ai giovanissimi, con lezioni d'insieme per le classi.

Nei 25 anni dalla scomparsa del musicista, il 13 dicembre del 1987 fu tenuto un concerto con musiche del Maestro, nell’ambito delle manifestazioni dedicate ai musicisti fiorentini e a quelli che hanno operato a Firenze ed in Toscana.

Nel centenario della nascita di Vito Frazzi, presso il Comune di San Secondo Parmense, città natale di Frazzi, vengono illustrate le iniziative in ricordo del Maestro Frazzi. Si consolida il rapporto con il Comune di San Secondo Parmense, con il quale inizia uno scambio di manifestazioni culturali.

Al concerto nella Sala Consiliare del Comune di Scandicci, il 7 febbraio 1988, si affiancano analoghe iniziative al Salone dei Cinquecento in Palazzo Vecchio a Firenze, al Teatro Regio di Parma, al Comune di San Secondo Parmense.

La banda musicale di S. Caterina Val Senales, con il Gruppo folcloristico dell'Alto Adige, diretti da Johann Nischler, tengono un concerto durante la Fiera di Scandicci, l'8 ottobre 1989. Una lunga tradizione che ha associato sempre una manifestazione del Centro dell'Arte in occasione della Fiera di Scandicci, diventata ormai un evento di rilevanza regionale.

Nel 1989 il Centro dell’Arte compie 10 anni. Tra le molte iniziative: il concerto del pianista Andrea Lucchesini e quello dell'Orchestra Regionale Toscana, diretta da Donato Renzetti, entrambi al Teatro Aurora di Scandicci.

Dopo 12 anni di attività svolta regolarmente a Le Bagnese, le manifestazioni domenicali si trasferiscono al Teatro Studio. Rimane fisso l'appuntamento della domenica mattina in questo Teatro: un momento importante, che evidenzia la ricerca di nuovi luoghi per esprimere la musica ed allo stesso tempo l'iniziativa di avvicinare alla cultura il pubblico scandiccese.

Nel 1991, nella ricorrenza del bicentenario della morte di Mozart, il Centro organizza molte manifestazioni, in ricordo del grande compositore.

Il 17 ottobre 1992, nella Chiesa dei SS. Salvatore e Lorenzo a Settimo di Badia a Settimo (Scandicci), Giuseppe Giglio, direttore del Conservatorio Cherubini di Firenze, dirige i solisti e il coro del Conservatorio, con la collaborazione pianistica di Marzia Formosa e Vincenzo Maxia. In occasione delle celebrazioni rossiniane, viene eseguita la Petite Messe Solennelle di G. Rossini.

L'esperienza presso il Teatro Studio dura tre anni. Nel 1993 la stagione si trasferisce in maniera definitiva nella Sala Consiliare del Comune. In questo luogo deputato alla elaborazione della politica cittadina, in cui si promuovono le manifestazioni più importanti della vita civile, vero e proprio spazio che rappresenta la civitas, risuona in modo continuativo la musica dei nostri concerti, a significare che nel luogo rappresentativo della città, si ritrovano e si concentrano le forze comuni, nella condivisione di comuni ideali.

Per i 15 anni di attività del Centro dell'Arte, il 27 maggio 1994, l'orchestra degli allievi e i solisti del Conservatorio "L. Cherubini" di Firenze, diretti da Massimiliano Matesic, eseguono il mottetto "Exultate, Jubilate" di W. A. Mozart e lo "Stabat Mater" di G. B. Pergolesi. Il concerto si tiene nella Chiesa dei SS. Salvatore e Lorenzo a Settimo a Badia a Settimo (Scandicci).

In ossequio alla sua tradizione, da sempre a favore della divulgazione della musica contemporanea, il Centro dedica il concerto del 18 dicembre 1994 all’esecuzione di musiche di Carlo Prosperi, Bruno Bartolozzi, Arrigo Benvenuti ed Eriberto Scarlino.

A venti anni dalla scomparsa di Vito Frazzi, il 30 aprile 1995, presso la Sala Consiliare del Comune di Scandicci, sono eseguite musiche di Frazzi, con la partecipazione di Monica Benvenuti, Francesca Maggini, Marco Ghilarducci e Andrea Nanni. Prolusione di Mara Bercella.

In collaborazione con la Scuola di Musica di Scandicci, vengono organizzate sei lezioni concerto, dal 9 maggio al 23 giugno. La collaborazione con la Scuola di musica riprende, poi, nel 2002, in una visione più ampia di rapporti e scambi tra le organizzazioni che fanno musica a Scandicci.

Il 27 ottobre 1996, Liliana Poli presenta un concerto scenico vocale con musiche di "Satie e del gruppo dei Sei". Una collaborazione con il Conservatorio e con Liliana Poli, artista di livello internazionale, con cui sono state organizzate successivamente molte interessanti iniziative.

I vent'anni del Centro dell'Arte sono festeggiati con due significative iniziative: il concerto di Andrea Lucchesini nella Chiesa dei SS. Salvatore e Lorenzo a Settimo, a Badia a Settimo e il Concerto della RAI BEPI BIG BAND organizzato insieme al Circolo ARCI di Le Bagnese, al Teatro "Aurora" di Scandicci.

Il Coro Desiderio da Settignano, diretto da Johanna Knauf, con la collaborazione pianistica di Marta Rostro, esegue, il 7 novembre 1999, la Messa solenne breve in Sib Magg. di L. Cherubini, opera riscoperta dalla Knauf a seguito di una sua ricerca in archivi storici tedeschi.

Un concerto in cui gli allievi delle Scuole di Composizione Sperimentale del Conservatorio di Musica "L. Cherubini" di Firenze (docenti: Mauro Cardi, Rosario Mirigliano) e dell'Istituto Musicale Pareggiato L. Boccherini di Lucca (docente: Pietro Rigacci) mostrano la maturità raggiunta, con tantissime realizzazioni ed esecuzioni di ottimo livello. Segue, il 9 gennaio del 2000, un concerto dedicato alle musiche di Bruno Rigacci.

Il Centro dell'Arte e il GAMS Ensemble di Scandicci, per i festeggiamenti dei 50 anni della Casa del Popolo di Casellina, organizzano, l'11 giugno 2000, un concerto, diretto da Volfango Dami, con la partecipazione di Ivan Zappia, flauto solista (il concerto è stato eseguito anche Sabato 27 Maggio, ore 21, nella chiesa Gesù Buon Pastore di Casellina).

E' una delle manifestazioni con le quali inizia la collaborazione tra alcune Associazioni scandiccesi, concretizzatasi successivamente in occasione di altre iniziative.

Ottavia Maria Maceratini, appena quattordicenne, esegue, il 22 ottobre 2000, la "Polacca n. 2" di Franz Liszt, con grande maturità ed intensità espressiva, riscuotendo un caloroso successo di pubblico.

Paolo Fragapane è stato un grande amico del Centro, con il quale ha collaborato per la realizzazione di numerosi concerti con musiche di Gaspare Spontini. Per ricordare lo studioso ed il maestro, i suoi allievi, ora docenti di importanti cattedre di Conservatorio, hanno dedicato i loro sforzi per porgere il tributo più bello ad un musicista: l’esecuzione delle sue musiche. Il coro degli insegnanti del "Cherubini", diretto da Joan Yakkey, esegue, il 3 dicembre 2000, la Messa "Ave Maris Stella", di Paolo Fragapane. Nel corso dello stesso concerto sono state eseguite musiche di Gaspare Spontini, il musicista al quale il Maestro aveva dedicato molti anni di studi.

Una collaborazione eccezionale, grazie a Joan Yakkey, porta a Scandicci il gruppo statunitense "Ars et Amici", che esegue un programma di musiche e danze rinascimentali, con riproduzioni di costumi e di strumenti musicali dell'epoca.

Già eseguita alcuni anni prima in forma strumentale, viene riproposta in forma scenica, l'Histoire du soldat di Stravinskij. L'allestimento, curato da Grazia Rossi e Rita Lusini, viene reso possibile anche grazie alla progettazione ed esecuzione dei costumi da parte del Corso di Perfezionamento dell'Istituto Statale d'Arte di Firenze, Sezione Moda e Costume, sotto la guida di Marcella De Faveri, Teresa Pasqui, Patrizia Soldani. Il concerto è tenuto nel Teatro Studio di Scandicci.

Il 1° aprile 2001, abbiamo avuto il piacere di ascoltare Francesco Trivieri, pianista non ancora quindicenne, del quale abbiamo apprezzato la capacità comunicativa e, in particolare, la maestria nel dosare le infinite risorse timbriche che offre il suo strumento.

Il concerto del Berliner Philharmoniker Quartett a Scandicci, ha visto partecipare Giovanni Doddoli, Sindaco del Comune di Scandicci, e Simone Gheri, Assessore alla Cultura, che con i Consigli di circoscrizione e alcune associazioni del volontariato hanno permesso la piena riuscita dell'evento. La manifestazione, a sostegno dell'iniziativa "Liberiamo i bambini soldato" della Sierra Leone, ha coniugato un atto di solidarietà con la musica che, come altre espressioni artistiche, riesce a sensibilizzare gli animi verso chi ha bisogno di un gesto sincero di solidarietà. Nel nostro caso, la partecipazione della cittadinanza di Scandicci, che affollava il Teatro "Aurora", con la presenza di personalità del mondo culturale e del Presidente della Regione Toscana Claudio Martini, ha consentito di raccogliere diecimila euro, che sono stati consegnati direttamente nelle mani dell'Arcivescovo Monsignor Giorgio Biguzzi, che in Sierra Leone segue direttamente la causa dei "bambini soldato". Il Centro dell'Arte "Vito Frazzi", in questa iniziativa, è stato fortemente impegnato, sia attraverso l'opera di ispirazione e di coordinamento svolta dal nostro Vice Presidente Vincenzo Zappia, sia grazie al supporto amministrativo e contabile del tesoriere Ugo Boccagna.

La XXIX Stagione dei concerti della Città di Scandicci inizia con una mattinata in ricordo di Alfredo Bianchini. Anche in questa occasione si è voluto ricordare un grande artista fiorentino.

Una tradizione del Centro è quella di lasciare lo spazio per i concerti dei giovanissimi esecutori, i quali, eseguendo i loro brani, hanno modo di fare la loro prima esperienza a contatto con il pubblico.

Luciana Bartolacci ha condotto per molti anni una Scuola di canto che ha formato molti musicisti, avviatisi successivamente ad una brillante carriera artistica. Il concerto in suo omaggio è diventato l'occasione per ricordare anche Ciro Nanni, scomparso neanche un mese prima, che tanto amava la musica vocale e che aveva ospitato, nella sua casa, le lezioni di musica. Un emozionante concerto, quello del 23 novembre 2003, che ha visto stringersi nel ricordo dei due maestri gli allievi e gli amici presenti.

Dopo una lunga, intensa e preziosa col-laborazione con il Conservatorio "L. Cherubini" di Firenze, Giovanni Cicconi, che ne è stato direttore per tanti anni, ci regala un concerto in duo con Rosa Maria Scarlino.

La collaborazione con altre associazioni operanti sul territorio, come il Consiglio di Circoscrizione n. 2, la Casa del Popolo di Casellina, Il Circolo ARCI "Il Ponte", l'Associazione S. Matteo di Casellina, il Mercatino dei ragazzi per la solidarietà, "il luogo, la poesia", permette la realizzazione di una rassegna corale, ultimo episodio di numerose collaborazioni trasversali, al di fuori dei canali tradizionali e nei luoghi meno consueti. Determinante è stato il contributo di Joan Yakkey. Alla rassegna, che si è svolta in tre serate, hanno partecipato nove associazioni corali. La Rassegna Corale è coordinata da Vincenzo Zappia, Responsabile alla cultura del Circolo Arci "Il Ponte" ed è alla sua 4a edizione.

Il libro "Passaporto pianistico per il nuovo millennio", edizioni Carisch-Milano, è un'antologia pianistica che Giuseppe Fricelli ha voluto dedicare al suo maestro Vito Frazzi. Fra i vari autori presenti nella pubblicazione e dei quali saranno eseguiti, durante la manifestazione, brani al pianoforte da parte di allievi del Maestro Fricelli, figurano Chailly, Margola, Vavolo, Rigacci (Bruno e Pietro), Scattolin, Carmassi, Riccardi, Ramous, Calligaris, Procaccini, Fellegara e lo stesso Fricelli.

Nicoletta Calzolai, docente al Conservatorio "Cherubini", presenta alcuni brani tratti da famosi "Intermezzi" del Settecento ed eseguiti dai giovani allievi in costume.

In collaborazione con il Comune di Fiesole, il Comune di Piombino, la Scuola di Musica di Fiesole e l'Associazione Fernando Farulli, in occasione della commemorazione della scomparsa di Fernando Farulli, avvenuta il 7 febbraio 1997, si è svolta una manifestazione davvero unica, che ha ricordato, a trent'anni di distanza, la realizzazione della splendida vetrata della Sala Consiliare ad opera dell'artista. Nella sala in cui da molti anni svolgiamo i nostri concerti, è stato con grande piacere che abbiamo offerto un tributo di riconoscenza all'artista ed al luogo in cui le nostre principali realizzazioni hanno vita. L’iniziativa ha avuto un grande successo, anche per la grandissima affluenza di pubblico. Il concerto, eseguito dall’Orchestra dei ragazzi della Scuola di Musica di Fiesole, è stato diretto da Edoardo Rosadini, giovane talento scandiccese, già altre volte ospite delle nostre manifestazioni. Ai due giovanissimi solisti, Pietro Horvath e Giulia Novelli, ha fatto seguito l'esecuzione di un solista d'eccezione, Antonello Farulli, che partecipò al nostro secondo concerto, il 21 gennaio 1979. Nell’occasione è stato presentato il catalogo critico su "Fernando Farulli - La Vetrata 1974 - 2004" a cura di Luca Farulli e Vincenzo Zappia. Sempre nell’ambito di questa manifestazione, il 27 febbraio nella sala del Consiglio Comunale di Fiesole si è tenuto un dibattito con la presenza dei critici Sergio Troisi e Enrico Crispolti, con il coordinamento di Giorgio Luti. Si è discusso su: Fernando Farulli - "La logica della pittura".

Dino Campana, morto il 1° marzo 1932 a Scandicci, riposa oggi alla Badia a Settimo. Roberta Vezzosi ha proposto uno spettacolo in cui alla voce di Dino Campana, che si esprimeva con le sue poesie, rispondeva Sibilla Aleramo, con brani tratti dal carteggio tra i due artisti. Non solo un tributo a Dino Campana, ma anche un ritorno alla Musica ed alla Poesia, forme d'arte che trascendono dal quotidiano.

Il Centro dell'Arte Vito Frazzi ha partecipato ad un ampio insieme di iniziative organizzate dalla Commissione Pari Opportunità del Comune di Scandicci, volte a interpretare l'8 marzo come momento di reale riflessione sul ruolo della donna. Una collaborazione tra organizzazioni che operano sullo stesso territorio, che, pur perseguendo diversi obiettivi, possono comunque cooperare, realizzando manifestazioni congiunte.

Nel corso degli anni sono state molte le possibilità di ascoltare giovani e valenti musicisti di Scandicci. Tra i molti giovani che abbiamo avuto il piacere di ascoltare, ricordiamo Marta Rostro, e poi, a ritroso, Paola Trebbi, Edoardo Rosadini, Ivan Zappia, Leonardo Masi... e molti altri ai quali vanno i nostri applausi, nella speranza di poterli riascoltare all’apice della loro carriera.